FoxyLounge

Voodoo In New Orleans

DrNoze — 2016-05-07T15:52:23Z

Révoltes d'esclaves, Louisiane, vaudou, et Marie Laveau.

Tous les mercredi soir, MaNu MAKAK anime une émission sur le hip-hop dont de nombreux épisodes prennent le parti d'aborder le sujet par la face historique et sociologique. Ça se passe sur La Locale et l'émission s'appelle Black Mirror.

L'accroche de l'émission, "le Hip-hop, des champs de coton aux ghettos de New York" donne le ton et MaNu n'hésite pas sortir du terrain balisé du rap proprement dit, pour étendre le sujet à toute l'histoire de la musique, voire de la culture, afro-américaine. Car tout est connecté et le rap, même si il a certainement été, d'une certaine manière, une musique de rupture, s'inscrit aussi dans cette tradition afro-américaine. Une histoire faite de souffrance et de luttes, pour une culture née de la rencontre, faite dans la douleur, entre l'Afrique et l'occident.

À ce sujet l'émission Voodoo In New Orleans, quatrième épisode d'une série consacrée à la Nouvelle Orléans est très intéressante. Il y revient sur le commerce et les révoltes d'esclaves, sur l'importance de la culture Vaudou en Louisianne, et sur l'histoire de l'incroyable Marie Laveau.

Cerise sur le gateaux, on y entendra une dédicace à notre article sur les $uicideboy$.

– On peut retrouver tous les épisodes de Black Mirror sur son blog, ou directement sur son compte Mixcloud.

Présentation :

Cette semaine, retour dans la moiteur de la Nouvelle Orléans. Après Congo Square, après les second lines et les blacks indians du mardi-gras, on se penche sur un des aspects les plus sulfureux et intrigants de la culture de Crescent City : le vaudou.

Passé d'Afrique de l'ouest à Saint Domingue dans les bateaux de torture de l'industrie négrière, le vaudou a prospéré dans les communautés d'esclaves de cette colonie française. Chassés par la révolution haïtienne qui a démarré en 1792 après une cérémonie vaudou, les planteurs français arrivent en masse en Louisiane, avec leurs esclaves, au début du XIXéme siècle. D'abord à Congo Square, où l'usage des tambours est autorisé le dimanche, puis en des lieux plus secrets, un vaudou typiquement américain va se développer, fruit du mélange entre les différentes cultures voduns d'Afrique, le catholicisme français, les rites indiens, la nature du sud dégueulasse américain.

Lien entre le corps et l'esprit des choses, entre la vie et la mort, entre le quotidien et le surnaturel, le vaudou est encore une fois une résistance à l'acculturation blanche des esclaves et de leurs descendants. Il perpétue le lien avec la terre-mère à laquelle ils furent arrachés et constitue un pilier du gumbo culturel de la Nouvelle Orléans, sous l'égide inquiétante de la légendaire voodoo queen Marie Laveau, célébrée dans d'innombrables morceaux à travers le temps, tout comme le fameux mojo cher aux bluesmen.

Magie, révolution, musique. Bienvenue !

— MaNu MAKAK, Black Mirror

Jump Blues & early rock and roll

DrNoze — 2016-05-07T08:10:11Z

Une sélection de jump blues pleine de rage et de sueur, pour se plonger dans les origines du rock and roll.

Le jump blues, genre quelque-peu oublié de nos jour, était très populaire au sein de la communauté noire-américaine au cours des années 1940 et 1950. Issu des big bands jazz pour son orchestration et du blues pour son aspect corrosif, il a posé les bases de ce qui sera plus tard le rythm and blues et le rock and roll.

Un certain Lux Exterior en a sélectionné sur sa page plus de 130 morceaux. Sa sélection est souple et sort du cadre strict du genre, pour glisser vers le rythm and blues et dresser un portrait du rock noir de cette époque.

L'énergie, le swing et la sauvagerie de tous ces morceaux dépassent allègrement des sucreries que nous livrera la vague de rock blanc par la suite.

The Birth of Rock and Roll

Nicolas P. — 2015-05-29T06:51:49Z

The Birth of Rock and Roll est une sélection de photos tirées de la collection de Jim Linderman. Ce dernier n'est pas l'auteur des images, collectées à l'origine, dit-il, afin de raconter une histoire qu'il voyait durer mille ans. Dans sa préface au livre, il constate que cette histoire a finalement duré bien moins longtemps… « We think our lifetimes last long time. They do not. » Malignement il explique ainsi le contenu de son recueil. Ensembles, les 134 photos racontent moins une histoire qu'elles ne témoignent d'un moment, cet instant qui semble n'avoir duré qu'une seconde, où d'un capharnaüm d'influences et de cultures, est né le Rock and Roll.

Evidemment, cet accouchement a en réalité duré plusieurs années. Mais avec son empilement chaotique de photos vierges de légende, la mise en page de Martin Venezki brise la temporalité et la linéarité de cette naissance, et par la même occasion celles de ses origines. Le Rock and Roll est-il une musique de Noirs ou de Blancs ? De vieux ou de jeunes ? De club ou de salon ? Découlant du Blues ou de la Country ? Acoustiques ou électrique ? Urbaine ou rurale ? Née dans les années 30, 40 ou 50 ? Ce que semble vouloir nous dire The Birth of Rock and Roll, c'est qu'il est un peu tout ça à la fois. Et en entrecoupant les clichés d'orchestres et de danseurs, avec des documents rappelant le contexte ségrégationniste, il insiste sur ce côté miraculeux du Rock and Roll, musique métisse née sous les lois Jim Crow, où des cultures se mélangent sans que les hommes ne se rencontrent.

L'ouvrage se conclue avec un entretien mené par Joe Bonomo, où Jim Linderman raconte et explique sa passion pour les collections en tout genre, et en particulier pour ce qui documente les religions, la pop culture et les subcultures américaines. Il est possible d'avoir un aperçu de tout ce qui encombre l'esprit (et l'appartement) du monsieur sur les blogs qu'il tient sur internet (Dull Tool Dim Bulb et Old Time Religion)

The Birth of Rock and Roll est édité par Dust-To-Digital, maison d'édition indépendante habituée des objets livresques et musicaux léchés qui titillent à tous les coups le passionné de musique. Avec son absence de légende et son peu de mise en contexte, The Birth of est par contre peu accessible aux néophytes. Ces derniers peuvent toujours se contenter de la playlist faites par l'éditeur et les auteurs pour accompagner la sortie du livre :

Les photographies sont tirées du site de Martin Venezky.

Johnnie B. Smith

DrNoze — 2015-05-11T07:25:39Z

Un des derniers enregistrements de chants de travail de prisonniers noirs américains refait surface grâce au label Dust-to-Digital.

En 1933, Alan Lomax et son fils John, ont été les premiers a enregistrer ces chants de travail, en allant à la rencontre des prisonniers dans les équipes de constructions des routes ou les groupes de travailleurs agricoles. Les pénitenciers du sud des États-Unis recréaient alors la brutalité des plantations esclavagistes. Sous la surveillance d'hommes blancs armés, des équipes de prisonniers, noirs pour la plupart, travaillaient de force et pour presque rien, dans les champs de cotons ou sur les routes.

En 1965 et 1966, le folkloriste Bruce Jackson fut, avec William Ferris, un des derniers à enregistrer ces chants. Il visita par deux fois la prison de Ramsey State Farm dans le Texas, où il rencontra le "song leader" Johnnie B. Smith, prisonnier numéro 130196. Agé de 46 ans, Smitty y purgeait alors sa peine, 45 ans pour meurtre.

La fonction de "song leader" nécessitait des compétences de chant, de composition et d'écriture, mais également un sens de l'improvisation et une constitution physique capable de maintenir une rythmique, un chant et des paroles capables de motiver les travailleurs, pendant de longues heures sous l'écrasant soleil du Texas.

Les enregistrements de Bruce Jackson témoignent bien de cela. Les morceaux, tous a cappella, semblent sans fin, certains dépassent les 20 minutes, et s'enchainent pour n'être plus qu'une seule et interminable mélopée.

Un premier album de Johnnie B. Smith contenant 6 titres, était sorti en 1965 sous le titre Ever Since I Have Been A Man Full Grown.

Le label Dust-to-Digital, comme son nom l'indique, est un label américain, basé à Atlanta et spécialisé dans la ré-édition d'enregistrements poussiéreux de musiques folkloriques d'Amérique (ou d'ailleurs).

Dust-to-Digital reprendra 3 titres parmi les 18 que l'on peut écouter dans No More Good Time in the World for Me, le double CD que le label vient de sortir et que l'on peut télécharger ici.

No More Good Time in the World for Me by J.B. Smith

Le label avait déjà précédemment ré-édité Sorrow Come Pass Me Around, une excellente compilation de musique religieuse rurale noire américaine, initialement parue en 1975. S'éloignant un peu (mais pas tellement) de sa mission première, le label s'occupe également des albums de l'étonnant Lonnie Holley, dont on vous parlait déjà ici.

Les "work chants" de Johnnie B. Smith, sont parmi les derniers témoignages d'une culture qui remonte à l'esclavage, et témoigne d'un patrimoine universel dans lequel prend sa source une grande partie de la musique populaire d'aujourd'hui. Le rock n' roll, la soul et le rap ont tous des racines enfouies dans la terre des champs de coton du sud des États-Unis.

Amiri Baraka : Why is We Americans

DrNoze — 2014-11-04T13:48:34Z

Amiri Baraka récite une partie de son poème engagé Why is We Americans dans l'émission de télévision de Russell Simmons, Def Poetry Jam.

C'est avec Le Peuple du Blues (Blues People), que sous son vrai nom LeRoi Jones, Amiri Baraka a écrit en 1963, un des livres les plus importants sur la Black Music. Le poète activiste, proche de la Beat Generation (Sa maison d'édition Totem Press publiera les ouvrages de Jack Kerouac et Allen Ginsberg à la fin des années 1950), et du Black Power, y développe la thèse que l'évolution du statut des Afro-américains a trouvé un écho dans les modifications de la musique noire. Sa lecture sociale et politique du blues et du jazz a eu une influence très importante dans le domaine des Popular Music Studies.

Amiri Baraka en 1972

Personnage incontournable de la culture noire américaine, Amiri Baraka nous a quitté au tout début de cette année 2014, le 9 janvier, à l'age de 79 ans.

Mississippi Blues

DrNoze — 2014-01-22T08:44:09Z

En 1983, Bertrand Tavernier prend la mythique route 61 et longe les berges du fleuve Mississippi pour y tourner un documentaire sur le vieux sud des États-Unis d'Amérique et sa culture. Il s'y intéresse notamment à celle du blues et du gospel (mais pas que).

Pour cela il fait appel à Robert Parrish, un "ami américain" originaire du coin et ayant baroudé dans le milieu hollywoodien depuis l'ère du muet. Entre deux ou trois réflexions sur Faulkner, l'histoire du sud, celle de la ségrégation ou encore du cinéma, le film nous plonge en apnée, pour sa partie la plus intéressante, dans de longues séquences musicales.

C'est accompagné de William Ferris (dont on vous parlait ici), qui fait le lien entre les musiciens et l'équipe de Tavernier, et permet ainsi au cinéaste français de filmer des séquence anthologiques, avec le même naturel que celui que l'on trouve dans les films du musicologue/folkloriste. En mode infiltration, dans les églises ou chez l'habitant, on prendra part, d'un côté aux prêches enfiévrés des pasteurs et aux transes des fidèles, et de l'autre à la mélancolie profane des bluesmen amateurs. Comme dans cette mythique séquence où l'équipe de joyeux français se rend chez Son Thomas, un musicien connu de Ferris, pour y apprendre que celui-ci est en voyage. Qu'à cela ne tienne, justement l'oncle de Son et 2 ou 3 voisins passaient par là, guitare sur l'épaule et harmonica dans la poche. Un concert improvisé est alors donné dans le salon.

Un de ces musiciens amateurs, Arthur Oneica (à moins qu'il ne s'agisse de Poppa Neal [1]), ne comprenant pas la langue de ces étranges visiteurs venus les filmer, demande à Parrish d'où ils peuvent bien venir, tous.

- De Paris.
- Paris, Mississippi ?
- Paris, France.
- Oooh... Et quel est le nom de la rue principale là bas ?
- Les Champs Élysées.
- Redis voir.
- Les Champs Élysées.
- Ok.

Oneica lance son pote Joe Cooper à la guitare et démarre un blues improvisé où il est question de traîner sur les "Champs" pour y draguer des poulettes bien coquines mais dont on ne comprend rien à la langue .

Arthur Oneica & Joe Cooper - Champs Elysées Blues - Leland, MS

Hayward Mills - She Left Me - Leland, MS

Gospel, extrait de Mississippi Blues

À la vue de ce documentaire, parfait pour accompagner la lecture du livre/CD/DVD de Bill Ferris, Les Voix du Mississippi, on comprend mieux la passion de Tavernier pour ce sud mythique et pourquoi c'est lui, un français, qui a si bien réussi l'adaptation au cinéma des aventures louisianaises de Dave Robicheaux (Dans la brume électrique).

[1] Sur le livret du DVD, Robert Parrish raconte l'anecdote en le nommant Poppa Neal , mais sur le CD de la B.O. du film il est crédité comme Arthur Oneica.

William Ferris : Les Voix du Mississippi

DrNoze — 2014-01-02T15:44:29Z

Photographie, cinéma, enregistrement, écriture, cours d'université, conférences, peu importe le moyen utilisé par Bill Ferris, tant qu'il permet de partager sa passion pour le folklore du sud des États-Unis d'Amérique, et notamment celui de la culture noire-américaine du Mississippi.

Né au fin fond de l'état du Mississippi en 1942, le folkloriste sera témoin, dès l'enfance, de la violence de la ségrégation et ne cessera de la combattre, à sa façon. Au début des années 60 il entreprend pendant deux décennies d'enregistrer, de photographier et de filmer, le long du fleuve Mississippi, la musique, la parole et les acteurs de cette culture afro-américaine locale.

Ainsi, sur les traces de John et Alan Lomax, armé d'un magnétophone, d'un appareil photo et d'une caméra super 8, Bill Ferris se rend dans les "Juke Joints", ces petits bars où se réunissent les membres de la communauté noire pour y boire, danser, jouer et écouter du blues. Il y écoutera les chansons et les "dirty dozens" (concours d'insultes), mais aussi les histoires vraies ou fantasques des bluesmen amateurs. Il se rend également dans les églises pour y enregistrer les spirituals, les sermons enfiévrés et les transes des fidèles. On le verra aussi dans les pénitenciers et les champs de cotons, filmer et enregistrer les "work chants", ces chants fait pour se donner du coeur à l'ouvrage, et descendant directement des chants d'esclaves à l'origine du blues et du gospel (voire de tout un pan de la musique populaire contemporaine).

Les Voix du Mississippi (Give My Poor Heart Ease : Voices of the Mississippi Blues VO) rassemble dans un livre, un CD et un DVD une sélection d'entretiens, de photographie, d'enregistrements et de films réalisés dans ces années. Une bien belle proposition de livre multi-média où chaque support complète à merveille le précédent.

Les éditions Papa Guédé nous proposent ici une très belle version au design plus travaillé que l'édition américaine. Les Voix du Mississippi est leur premier ouvrage et on espère que la suite sera au niveau.

Les Voix du Mississippi trailer :

Ci dessous Give My Poor Heart Ease : Mississippi Delta Bluesmen, un des excellents documentaires de Bill Ferris que l'on retrouvera en version sous-titré dans le DVD :

Johnny Dowd : No Regrets

Pandabold — 2012-05-10T06:34:13Z

Consacrer un album complet aux femmes que l'on a fréquentées peut, de prime abord, paraître quelque peu prétentieux. Surtout lorsqu'un rapide auto-bilan permettrait à beaucoup de ne pouvoir envisager, à la rigueur, qu'un simple deux-titres. Or, nous avons affaire ici à Johnny Dowd, et rien ne saurait être si simpliste.

Car No Regrets n'a rien d'un tableau de chasse. C'est un hommage d'amour, composé de 13 chansons dédiées à 15 femmes que le sexagénaire, originaire du Texas et basé aujourd'hui à Ithaca, a connues, imaginées ou vues à la télévision. Et lorsqu'on sait l'humour dont le bonhomme est capable, on ne peut qu'y plonger tête baissée. À l'image de Betty, où Johnny Dowd tente de récupérer sa veste de football auprès d'un amour de lycée. Et tout commence plutôt mal : “devine qui c'est… non… non… c'est Johnny… Johnny Dowd”. Puis l'échange continue, ponctué de “non, Betty, s'il-te-plait, ne raccroche pas”. Johnny tente même d'être arrangeant “je sais où tu habites, je peux passer la prendre si tu veux” avant de devenir vraiment flippant “je sais où tu habites… et je sais où tes enfants vont à l'école… et je sais où ton mari travaille”. Johnny, un ex qui vous veut du bien.

No Regrets renferme donc 13 histoires, 13 nouvelles dansantes et mécaniques, joyeusement bancales, regroupées à la manière d'un Short Cut de Robert Altman, qui évoquent parfois un duo improbable entre John Fante et The Residents. Après le blues aux bottes pleines de sable de Wake up the Snake (2010, Munich Records), et l'axe plus expérimental du non moins fameux More or Less (2010, Zlaxyi Records), Johnny Dowd prouve une fois encore avec No Regrets (2012, Mother Jinx Records) que son univers, toujours emprunt d'une poésie de l'ordinaire, ne peux se définir qu'en le vivant.

À noter enfin que sur la pochette, nous trouvons les dessins du néerlandais Rik Van Iersel, membre du collectif Beukorkest, dont il parait plus qu'indispensable de découvrir l'excellent travail, si ce n'est déjà fait.

No Regrets (2012) de Johnny Dowd, sorti sur le label Mother Jinx Records. Site : www.johnnydowd.com. Vidéo : Louk Voncken.

Johnny Dowd

Pandabold — 2011-04-21T07:17:52Z

Johnny Dowd, bluesman et poète texan, a une voix rocailleuse, une guitare feignant l'approximation... et une foutue classe.

De la quinzaine de disques sortis à ce jour par le Monsieur, citons par exemple Down In The Valley (2000, auto-produit), Wake Up the Snakes (2010, Munich Records) ou encore More or Less (2011, Zlaxyi Records), qui pourraient constituer une bonne introduction à son travail.

On le retrouve également dans diverses formations comme Hellwood, en compagnie de Willie B et Jim White (avec lequel il participe, entre autres, au film Searching For The Wrong-Eyed Jesus de Andrew Douglas en 2003), ou plus récemment dans The Tin Teardrops avec Mike Cook et Alan Pauling.

Johnny Dowd est au blues ce que Sam Peckinpah est au western : ça sent le désert rude, les cailloux dans les bottes, les serpents à l'affût.

Photo : Kat Dalton / Vidéo : extrait de "Searching For The Wrong-Eyed Jesus" de Andrew Douglas, 2003 / Petite dédicace personnelle à Dominique qui m'a fait découvrir Johnny Dowd. Merci.

John et Alan Lomax : Afro-American Spirituals

DrNoze — 2010-08-30T11:56:08Z

John Lomax et son fils Alan Lomax, deux musicologues et folkloristes américains des années 30, sillonnaient les routes de cette Amérique rurale, missionnés par la Bibliothèque du Congrès, pour enregistrer, avec un matériel rudimentaire stocké dans le coffre de leur voiture, les restes du folklore local qui allait être balayé par la radio et le disque. Ces enregistrements allaient donner naissance à une série de compilations qui parurent sur le label Rounder Records.

Le materiel des Lomax

Les deux compères auraient, aux cours de leurs voyages, découverts et lancés, Leadbelly,et Woody Guthrie et même, plus tard, Muddy Waters.

John et Alan Lomax, enregistrent ainsi les derniers souffles de la musique des esclaves noirs-américains dont la puissance, l'éclat et l'énergie allaient donner naissance à toute la musique populaire occidentale moderne : Les Afro-American Spirituals.

Des enregistrements souvent a capella, enregistrés le soir sous le porche, dans la salle à manger ou dans les cours des prisons, qui témoignent de la richesse de cette musique au langage codé.

Afro-American Spirituals, Work Songs, and Ballads

Message codé

"Seuls les spirituals offraient aux esclaves la possibilité de rêver. Ils ont mêlé le rythme venu d'Afrique aux cantiques appris des Blancs pour exprimer leur douleur, mais aussi pour exorciser leur condition, voir chanter leur prochaine liberté. Car les spirituals véhiculaient souvent un message codé, allant parfois jusqu'à indiquer les moyens de s'échapper. Bien peu ont été décryptés. Depuis, comme l'avait annoncé Dvorak, ils ont été la principale source d'inspiration des divers courants de la musique américaine, blues, jazz, rock, et jusqu'au rap."

Robert Darden - People Get Ready ! (Via la revue Books)

En 1903, déjà, le poète afro-américain W.E.B. Du Bois écrivait :

"L'Amérique a donné peu de beauté au monde, n'était l'insolente splendeur que Dieu lui-même à apposée en son sein ; dans ce nouveau monde, l'esprit humain a employé, pour s'exprimer, la vigueur et l'ingéniosité plutôt que la beauté. Le hasard a donc voulu que le chant noir traditionnel - le cri rythmique de l'esclave - ne représente pas seulement aujourd'hui l'unique musique américaine existante, mais aussi la plus belle expression de l'expérience humaine vécue de ce côté-ci de l'océan. On l'a ignorée, on l'a à moitié méprisé et, par dessous tout, on l'a sans cesse mal interprétée et mal comprise, mais cela reste néanmoins le seul héritage spirituel du pays et le plus grand apport du peuple noir."

W.E.B. Du Bois (Via la revue Books)