FoxyLounge

Dungeon Synth, the Dark Paths

DrNoze — 2017-05-19T11:38:13Z

Une sélection d'albums, un mix et un focus autour de cette bien sinistre scène qui serpente quelque part entre noise, ambient, black metal, musique de jeux vidéo et folklores médiévaux.

Musique de film sans film, bandes originales pour dépression chronique, lectures lovecraftiennes ou séances nocturnes de Jeux de rôle sur table, la Dungeon Synth est une musique, souvent bricolée avec des bouts de ficelles, et qui hésite entre grâce minimaliste, soif d'expérimentations et jeux de références à la frontière du mauvais goût.

Mix : Jocelyn Anglemort

Genre musical à la croisée des chemins, la dungeon synth est perdue sur une terre aride, quelque part entre la musique de film, tendance heroic fantasy (Conan), et l'ambient la plus sombre. Ce sous-genre du black metal, dont les inspirations se veulent également visuelles et littéraires, est en effet tiraillé dans plusieurs directions. Si le black metal en a été le terreau, l'ambient, l'IDM, la noise expérimentale, la musique de film et de jeu vidéo, le classique et la folk médiévale en sont les points cardinaux.

À tel point que la Dungeon Synth a à son tour elle-même généré de nombreux sous-genres. "Dark Ambient" pour les morceaux pionniers, très liés au metal, "Winter Synth" pour les ambiances glaciales et synthétiques, "Dungeon Noise" pour les projets les plus bruitistes et expérimentaux, "Idyllic Synth" pour ceux aux consonances pastorales, on en trouve bien d'autres. Malgré un genre très codifé on retrouve une certaine liberté d'expression dans la multiplicité de ces sous-genre, ainsi que dans les formats, certains morceaux pouvant durer plus d'une heure, quand d'autres feront moins d'une minute.

Le genre est né au début des années 1990, au départ sous l'éthiquette dark ambient, avec les side projects de certains musiciens issus de la scène black metal, comme Burzum et Mortiis. L'idée est alors d'étirer sur la longueur ces intros ou interludes aux accents cinématiques qui parsemaient les albums de l'époque, pour en faire de véritables projets. Sous-scène d'une sous-scène elle-même déjà très underground à l'époque, la dungeon synth est une véritable musique de niche, extrêmement souterraine.

Avec son esprit très « do it yourself », la dungeon synth glorifie l'amateurisme et ne se diffusera d'ailleurs, dans un premier temps, pratiquement que sur des cassettes audio. Il n'est pas rare alors, que celles-ci, enregistrées à la maison sur du matériel de fortune, soient simplement qualifiées de « demos » et que les morceaux se retrouvent sobrement intitulées "untitled".

À la suite des pionniers dans années 1990, une nouvelle vague de musiciens a repris le flambeau dans les années 2000, et plus particulièrement aux début des années 2010 grâce à l'avénement de la plate-forme de diffusion Bandcamp. Si cette nouvelle vague de dungeon synth se diffuse aujourd'hui principalement sous forme de fichiers numériques, le support cassette y est également toujours très présent. Plus qu'un gimmick, la basse fidélité est en effet souvent un élément constitutif de cette musique qui joue sur la nostalgie des temps anciens. Comble du fétichisme, certains musiciens vont jusqu'à préciser sur la page de présentation de l'album que les fichiers audio sont le « rip officiel » de la cassette.

Certains artistes semblent vouloir se délester de cet aspect low-fi, voire de la dimension sombre issue du black metal, pour s'aventurer vers des compositions plus bucoliques et/ou épiques, qui pourront prendre des allures de grands orchestres philharmoniques (comme le français Erang). Mais une autre, celle qui va nous intéresser ici, tente, elle, bien au contraire de retrouver les sonorités poussiéreuses et malades des années 1990 et de pousser plus avant l'aspect avant-gardiste et minimal de cette musique qui n'est jamais aussi bonne que quand elle arrive à allier au sein d'une même œuvre une dimension très expérimentale, parfois presque conceptuelle, et une autre, plus narrative, sensible et presque désuète.

Une sélection de neuf projets sortis ces dernières années, et qui, plutôt dans une veine sombre, low-fi et expérimentale, sortent du lot.

Ungl'Unl'Rrlh'Chchch ‎– Ungl'Unl'Rrlh'Chchch (2001)
Situé sur les bordures expérimentales du genre, cet unique et mystérieux projet réédité en 2014 (Probablement un side project de Trollmann av Ildtoppberg ) est une pièce de maître encensée par la communauté et qui présente un travail remarquable sur les textures sonores et de nombreuses variations de styles. Le titre « Ungl' Unl' Rrlh' Chchch » est une phrase tirée de la nouvelle L'étranger de H.P. Lovecraft et l'album pourrait, en effet, être la bande son parfaite de l'oeuvre lovecraftienne. Chaque morceau possède une véritable personnalité et un style qui lui est propre. De lentes mélopées vrombissantes et vides de mélodies qui tirent vers la drone et l'ambient, un piano dissonant qui improvise des mélodies inspirées de la musique contemporaine, des orgues saturés et des coeurs angoissants pour une célébration morbide, et, pour clôturer l'album une pure pièce de noise.
– Ungl'unl'rrlh'chchch sur Bandcamp

Ungl'unl'rrlh'chchch by Ungl'unl'rrlh'chchch

Old Tower - The Book of Ages (2015)
Le premier projet d'Old Tower, sorti en 2015, avec son minimalisme low-fi, sonne comme un retour aux sources. Un classicisme dark ambient qui tente de rester au plus proche de l'esprit des cassettes poussiéreuses circulant sous le manteau dans les années 1990. Présenté comme un seul morceau de 14 minutes et consistant en trois mouvements, il nous embarque dans un voyage intérieur vers des contrées mystérieuses. Depuis, Old Tower sort régulièrement de nouveaux albums tous recommandables.
– The Book Of Ages sur Bandcamp

The Book Of Ages by Old Tower

Abandoned Places - The Funereal Call (2016)
Dernier projet censé clôturer la série mystérieuse et très remarquée Abandoned Places, cet unique morceau monolithique de 77 mn est un bijou de cohésion minimaliste, un véritable monochrome noir dont la lumière ne s'échappe pas et au fond duquel le temps semble s'être arrêté. L'auteur prolifique de cette série de 8 albums serait également derrière de nombreux autres projets très intéressants dont Mystic Towers, Erdstall ou encore Turonian.
– The Funereal Call sur Bandcamp

The Funereal Call by Abandoned Places

Soy Fan Del Dark – SFDD (2016)
La musique de SFDD est ascétique. Chaque morceau se présente comme une miniature, une courte vignette présentant un élément de dungeon synth mis en boucle. Le résultat est rachitique, sombre et hypnotique. Les rythmiques sont sèches et les motifs répétitifs et monochromes. Avant ça Soy Fan Del dark avait déjà sorti un projet assez différent en collaboration avec Bilhazia, un artiste qui penche plutôt vers la tendance expérimentale de la beat scene (comme DTCPU ou Ras G). Soy Fan y lâchait cinq pistes saturées de guitares déjà très répétitives.
– SFDD sur Bandcamp

SFDD by Soy Fan Del Dark

Apothecarium – Demo II (2016)
Après une première courte demo parue en janvier 2016, Apothecarium revient quelques mois plus tard avec un nouvel opus au sein de la très bonne équipe de Moonworshipper Records. Apothecarium continue, avec Demo II, à débroussailler les mêmes sombres sous-bois qu'auparavant, mais en ayant bien pris soin d'aiguiser encore un peu plus ses outils. Ses orgues fatiguées, sentant la poussière et l'humus, aspirent à la lumière et nous jouent leurs mélodies imprégnées de nostalgie, mais sans toutefois être complètement dénuées d'espoir.
– Demo II sur Bandcamp

Demo II by Apothecarium

Ranseur – Obsidian Throne (2016)
La musique de Ranseur, tout comme ses pochettes (qu'il dessine lui-même), est très minimaliste et plutôt atypique dans la galaxie dungeon synth. Chaque morceau se compose de petites ritournelles qui gesticulent étrangement sur un lit de souffle noise. Si elles peuvent faire écho aux restes de musiques folkloriques médiévales que l'on retrouve souvent dans la dungeon synth, ces mélodies aux relents extra-terrestres nous rappellent également certaines oeuvres de Sun Ra et paraissent finalement plus provenir d'une autre dimension que de notre bon vieux Moyen-Âge (même passé à la moulinette de J. R. R. Tolkien).
– Obsidian Throne sur Bandcamp

Obsidian Throne by Ranseur

Foolish Fire – The Culture of Loss (2016)
Des corbeaux, du vent, un clocher et un orgue. The Culture of Loss est un projet plutôt mineur et atypique de ces dernières années. Malgré son amateurisme et sa simplicité, il tranche par un radicalisme formel et un minimalisme réjouissant. Les deux amples morceaux qui le composent sont constitués de longues plages d'ambiance survolées d'un unique orgue improvisant des litanies dépressive. Il nous transporte dans un univers sombre et désolé, peuplé de charniers et de potences. Grief as a Passion, la suite de The Culture of Loss vient de tout juste de sortir.
– The Culture of Loss sur Bandcamp

The Culture of Loss by Foolish Fire

Brutus Greenshield - Demo (2017)
La première demo de Brutus Greenshield est une cassette dans l'esprit des années 1990, avec son souffle, ses sombres orgues imprégnées de mystère et ses bruitages d'ambiance. Derrière des mélodies empreintes de nostalgie à la forte puissance évocatrice, on peut discerner le crépitement des feux de bois sous la canopée aux bruits des épées qui s'entrechoquent. Sur sa page Bandcamp, un tag « dungeon jazz » retient l'attention au milieu des éternels « dungeon synth », « dark ambient » et autres « dwarf synth ». On ne trouvera pas de swing, de solo de saxophone ou de contrebasse dans la demo de Brutus Greenshield, on reste bien dans du pur dungeon synth orthodoxe. Mais on y dénichera peut-être un certain sens de la composition et des arrangements plus poussés qu'à l'accoutumée.
– Demo sur Bandcamp

Demo by Brutus Greenshield

Einhorn – Demo I (2017)
Une des forces de la Dungeon Synth en tant que genre est de rendre accessible des styles musicaux qui peuvent frôler l'expérimental le plus hermétique, en y apportant une dimension narrative et sensuelle. La musique de Einhorn (side project de Tyrannus ) en est l'exemple parfait. Demo I, avec ses deux longs morceaux, arrive à ajouter à la noise la plus extrême, une sensibilité particulière et invite l'auditeur à parcourir les espaces sonores les plus fous tout en maintenant constamment un pied dans le réel, ou du moins dans cette réalité imaginaire, peuplée de licornes et de donjons démoniaques. On retrouve d'ailleurs également ce mélange des genres dans les références affirmées dans les titres des morceaux. Quand le premier, The Captive Unicorn, puise son inspiration dans une série de tapisseries de la renaissance, le second, Durlag's Tower, revisite, quant à lui, un épisode du jeu vidéo Baldur's Gate.
The Tyrant's Tower, qui contient la suite de Durlag's Tower est également à écouter.
– Demo I sur Bandcamp

Demo I by Einhorn

Liste des titres du mix :

Foolish Fire – I : Pilgrimage (Edit)
Old Tower – The Rise of the Specter Part I (Edit)
Spectral Kingdom – Spectral Kingdom (Edit)
Turonian – Skeletal Memory (Edit)
Brutus Greenshield – The Battle Made His Shield Red (Edit)
Blood Tower – Hidden in the Wallpaper (Edit)
Ungl'unl'rrlh'chchch – Azathoth (Edit)
Soy Fan Del Dark – Untitled 1 (Edit)
Blood Tower – I Heard Terrible Noises Coming From the Attic (Edit)
YEARNER – Evenings (In Remembrance) (Edit)
Mystic Towers – Caverns of Crystal (Edit)
Cloak & Daggere – Fading Presence (Edit)
Apothecarium – Wet Feet of the Gatherer (Edit)
Soy Fan Del Dark – Untitled (Edit)
Abandoned Places – Kalynthia (Edit)
Lost Chateau Of Montague – I (Edit)
Abandoned Places – The Funereal Call (Edit)
Voormithadreth – Ornava (Edit)
Roman Master – I Died Because I Was Weak (Edit)

Pour aller plus loin :
– Dungeon Synth Blog
– Dungeon Excavation
– Asmodian Coven

Bilan 2015 : Expérimentations musicales

Naïma — 2016-01-07T12:17:49Z

Naïma partage avec nous le fruit de son année de butinage musical.

– Colleen - Captain of None (Thrill Jockey)

Ensorcelant, sinueux, incandescent, le sixième album de la française Colleen opère un revirement musical singulier alors même que ses prédécesseurs n'étaient aucunement en voie d'essoufflement. Usant d'un instrument peu commun, la viole de gambe, Colleen affectionne les effets de delay et echo empruntés au dub et expérimente avec l'imbrication de boucles pour livrer ici un opus (d)étonnant. Difficile de ne pas parler de mains de féé tant son jeu se déploie avec une vélocité aérienne, tissant une lumineuse étoffe de notes qui se voit brillamment entrecoupée de passages de percussions et régulièrement accompagnée par la douceur de sa voix. Un délice.

– Plus d'informations

– Colin Stetson & Sarah Neufeld - Never Were The Way She Was (Constellation)

Collaboration électrique entre le saxophoniste virtuose Colin Stetson et la jeune violoniste Sarah Neufeld, Never Were The Way She Was est une agile juxtaposition d'univers défiant les descriptions et s'inspirant de l'histoire d'une jeune fille qui vieillit au rythme des montagnes. Instigateur depuis de nombreuses années d'une véritable plasticité technique lui permettant de créer un spectre étourdissant de textures et d'ambiances, Stetson se voit ici accompagné du jeu délicat de Neufeld pour façonner des morceaux mutants, extirpant régulièrement des sons improbables de son instrument. Never Were The Way She Was laisse peu de répit à son auditeur, égrenant à un rythme parfois effréné passages contemplatifs et vivifiants, rugueux et limpides, le tout sous-tendu par une nervosité aussi intense qu'exaltante. Fulgurant.

– Ahnnu - Perception (Stones Throw Records)

Roi des déambulations sonores de toute beauté, Ahnnu signe une fois de plus des morceaux graciles et abstraits, aux inflexions moins jazzy que certains de ses prédécesseurs mais non moins savoureux. Techno disparate et minimaliste s'enchevêtrent avec des sonorités chaudes et mystérieuses en une narration troublante. A noter aussi en 2015 une somptueuse collaboration avec Nerftoss que l'on espère bien voir se réitérer bientôt.

Perception by Ahnnu

– Micachu and The Shapes - Good Sad Happy Bad (Rough Trade)

Après s'être attelée à la bande son d'Under The Skin, l'anglaise Mica Levi se tourne vers un terrain lo-fi largement improvisé avec Good Sad Happy Bad. Dans les deux cas, on retrouve comme (seul ?) point commun une subtilité de composition qui requiert néanmoins des écoutes attentives dans le cas de Good Sad Happy Bad, tant la matière insouciante des morceaux peut leur conférer un aspect brouillon voire déroutant pour certains (idem pour le loop vocal simili-truie sur Unity, au sujet duquel on reste encore dubitatifs). Quoi qu'il en soit, la candeur punk de Micachu n'a rien perdu de son charme et l'album affiche des hauts idiosyncratiques qui ne sont pas prêts de se dissiper de sitôt.

– iiye - Reggie, Ernest, Wester, Rusty

En fidèle extension de sa pochette, Reggie, Ernest, Wester, Rusty revêt une élégance singulière rappelant presque un univers lynchien tant il mêle habilement l'étrange au suave. L'opus est peuple d'ambiances feutrées, pas tant déstructurées que serpentines et quasi-intégralement dénuées de rythmiques. Prolifique, leur créateur entretient le mystère en multipliant les noms de scène (iiye, Pink Siifu, ronee sage). Diablement obsédant.

Reggie,Ernest,Wester,Rusty by iiye

– Nerftoss - Mood Index (Patient Sounds)

On l'évoquait plus haut dans le cadre de sa collaboration avec Ahnnu, Nerftoss est John C. Jones, bassiste du groupe Dope Body, “DJ psychique” selon son label Patient Sounds et homme aux multiples talents (on citera notamment de bien belles photos à découvrir sur son site). Il livre en 2015 un album solo contrasté et vif dont la splendeur revigorante ne cesse de se dévoiler au fil des écoutes. A ne pas rater.

PS076 - Nerftoss - Mood Index by Nerftoss

– SK Kakraba - Songs of Paapieye (Awesome Tapes From Africa)

Maître du gyil, le xylophone ghanéen, SK Kakraba fut longtemps un membre actif de la communauté musicale au Ghana, enseignant l'art de son instrument et en fabriquant lui-même avant d'emménager à Los Angeles, où il continue de consacrer le plus clair de son temps à jouer. Paru sur l'excellent label Awesome Tapes From Africa, l'album est composé d'improvisations autour de chansons traditionnelles et de compositions originales ; y figurent en outre des chants funèbres radieux, pour lesquels “plus les gens dansent, plus les défunts reposeront heureux.”

http://www.awesometapes.com/sk-kakraba-songs-of-paapieye/

– Zachary Utz - Lovers Rock (Player Press)

Dope Body réunit décidément de talentueux artistes. Guitariste du groupe, Zachary Utz contribue ici l'énième preuve que se perdre dans le dédale de Bandcamp à cliquer sur des pochettes toutes plus saugrenues les unes que les autres peut mener à découvrir de véritables perles. Au cours de ces deux morceaux de 14:14 chacun, Lovers Rock mêle influences psyché, envolées contemplatives et blues spectral à des bribes de leçons sur les accords grammaticaux français. Les incontournables, en somme.

Lovers Rock by Zachary Utz

– Roy Harmon - Pagim (Raw Tapes)

Errance aux accents pastoraux et psychédéliques tout à la fois, Pagim fait du bien. Pour citer sa bio directement, “Roy's compositions make you feel like happiness and sadness are getting along quite well”. Trompettiste de formation, il s'éprend des synthés et bricole des odes rêveuses dont le flouté doux accompagne parfaitement les fins de soirées champêtres.

Pagim by Roy Harmon

– Wave Temples / Heat Sureens (rainbow pyramid)

Clôturant le bilan dans l'ésotérique et la douceur entremêlés, la split tape de Wave Temples et Heat Sureens est un méandre chatoyant d'exaltant et de saturnien, véritable mosaïque d'univers mystiques ponctués d'ombres diffuses qui se trame tout en délicatesse. Une ode aux sens.

Wave Temples / Heat Sureens by Wave Temples / Heat Sureens

Bilan 2014 : Rock & electro

Silvan — 2015-01-05T08:13:35Z

L'année 2014 terminée, Silvan fait le point sur les albums qui ont retenu son attention. Pas de grande surprise et pas de grosse pépite mais quelques chouettes albums quand même.

Je suis certainement passé à côté de beaucoup de très belles choses cette année et j'espère pouvoir me rattrapper en 2015. Mais dans l'ensemble, j'ai eu l'impression de voir passer des albums plutôt médiocres, peu ambitieux ou bien sans trop de vie. Pour cette raison, cette liste n'est pas une liste de “must have” et pas vraiment un top. C'est plutôt une liste de ce que je veux retenir de cette année et de ce que je réécouterai probablement. Il n'y a sûrement aucun chef-d'œuvre mais il y a toujours quelque chose à se mettre sous la dent.

- Clark – Clark

C'est un album dense et vraiment intense dont on parlait ici. À la fois froid, brutal, et plein d'honnêteté. Probablement l'un de mes coups de cœur de l'année.

- Dorian Concept – Joined Ends

Un bon album qui fait plaisir. Pas flamboyant d'originalité mais les mélodies sont hyper efficaces et ça m'a fait danser.

- Flying Lotus – You're Dead

Celui-ci est vraiment cool avec un format curieux (plein de morceaux courts qui s'articulent très bien). Je ne l'ai pas trouvé exceptionnel car j'ai tendance à être vite écœuré à l'écoute de Fly Lo, mais j'ai beaucoup aimé le fait qu'il se rapproche doucement du free jazz. Même les tubes sont vraiment bons (“Never Catch Me Now” ft. Kendrick Lamar par exemple. En plus, le clip est vraiment super).

- Tigran Hamasyan – Mockroot

Je triche un peu pour celui-ci car il n'est pas encore sorti (annoncé pour février 2015). mais je ne résiste pas car son précédent album était excellent et celui-ci s'annonce super audacieux (et non moins excellent compte tenu des deux titres parus). Pour ceux qui ne connaissent pas du tout le personnage, allez voir ça de toute urgence.

- Tim Hecker – Virgins

Bon, pareil pour Virgins. Il date de fin 2013 mais je ne l'ai découvert que cette année et j'ai pris une grosse claque. C'est d'une puissance rare pour de l'ambient. C'est très très fin et très beau. Parfois évident, parfois très frustrant car il faut presque deviner ce qui se passe entre toutes les voix superposées. Certains thèmes sont même développés en arrière-plan, à peine audibles dans la masse et très clairs dans une écoute distante. À écouter sur le plus de systèmes d'écoute possible ! Je pense qu'on y découvre des détails à chaque fois.

- Jon Hopkins – Asleep Versions

Un superbe EP. Il est relativement mineur car les morceaux ne sont que des variations de son dernier album Immunity mais il est quand même très beau, très bien assemblé et on a hâte de voir ce qu'il nous réserve pour la suite.

- Mehliana – Taming the Dragon en live

Taming the Dragon, le premier album de Brad Mehldau et Mark Guiliana est hyper kitch et on a juste envie de dire à Mehldau de ranger ses synthés car c'est moche. C'est même épuisant principalement à cause de ça à vrai dire. Pourquoi je le retiens alors ?
En fait c'est très déroutant car je trouve le duo excellent malgré ces choix esthétiques qui me dépassent complètement. En offrant des nouvelles banques de sons à Brad Mehldau cet album serait super intéressant car les compos sont souvent vraiment chouettes et ils sont techniquement impressionnants . Tout l'intérêt se fait en live en fait car on oublie très vite les sons à la Jean-Michel Jarre et on prend une belle claque.

- The Notwist – Close to the Glass

J'aime beaucoup la richesse et la variété de cet album. On est très souvent surpris dans le choix des sons et par les compos en général. Par contre gros bémol sur les parties de voix qui varient bien trop peu par rapport aux instrumentaux (à mon goût).

- Run the Jewels – Run the Jewels 2

Je ne suis pas un grand connaisseur de hip-hop mais je trouve cet album mortel. Tous les morceaux sont pleins de bonnes idées, c'est bien produit, efficace et ça sonne carrément.

- Thom Yorke – Tomorrow's Modern Boxes

Suivi par un single paru le 26 décembre.
Ça n'est pas un grand album mais il a une certaine saveur qui me plaît, entre la contemplation et l'amertume. Ça sonne un peu comme un retour chez soi en fin de soirée, après une dernière heure de mix pénible en club. On se demande un peu pourquoi on est resté jusqu'au bout ; partagé entre le plaisir de quelques bons moments passés et le regret d'être venu.

Clark : Strength Through Fragility

Silvan — 2014-12-01T15:03:59Z

Clark est arrivé il y a maintenant 13 ans chez Warp et après six LP (ainsi que quelques EP et un album de remixes), il vient de sortir un album éponyme au début du mois de novembre. Après toutes ces années d'activité on revient sur sa carrière et sur cet album.

À la différence d'Aphex Twin — l'autre géant du label, dont on parlait ici —, Clark ne s'est jamais absenté de la scène électronique, et pour cause. Comme il le déclare dans cette excellente interview (en anglais), la musique est une réelle obsession pour lui et son travail est clairement à l'image de ce trouble. Il tire toujours le maximum de ce qu'il peut exploiter d'un morceau. Qu'ils soient électroniques ou acoustiques à la base, les sons sont ravagés et emmenés vers ce qu'ils ont de plus brut et profond. Les mélodies sont toujours super efficaces mais sont souvent malmenées pour déstabiliser et créer une confusion énorme. Les parties se font écraser par des brouillards électroniques, déplacent l'attention vers un détail avant de disparaître brutalement. Comme en live, il improvise beaucoup et ça s'entend. Il se perd dans des recoins assez douloureux et la tension est vraiment palpable. Vient alors le temps où il laisse tout ça se décanter. Le calme réapparaît alors pour quelques instants avant d'être à nouveau tiré brutalement face contre terre ; et ça ne s'arrête jamais.

“L'inspiration vient d'un endroit qui nous est précieux — pour ma part, c'est quelque chose qui m'est très très cher. Écrire de la musique m'a permis de traverser les plus sombres périodes de ma vie et j'ai la sensation que j'aurais eu de très sérieux problèmes mentaux si je n'avais pas eu cela.”

Les journalistes lui collent alors l'étiquette d'artiste IDM (principalement parce que c'est pratique) mais c'est faux et prétentieux d'après lui. Il considère son travail comme malin et habille certes, mais pas nécessairement intelligent. Il ne construit pas ses morceaux avec une idée bien précise en tête qui le conduirait à leur donner une forme particulière. Il fouille et expérimente bien plus qu'il n'élabore méthodiquement. Pour cela, il fuit la facilité et cherche toujours plus de résistance dans le matériau qu'il va exploiter.

Comme il le disait sur Reddit :

Je crois que je suis toujours à la recherche de hasard. C'est un paradoxe mais je trouve les ordinateurs incroyablement chiants quand on les prend dans un usage “professionnel normal”. C'est vraiment trop facile maintenant, et je suis bien plus souvent inspiré par la voie la plus difficile.

On a alors plusieurs possibilités : choisir l'écoute imperméable et entrer dans l'analyse technique des morceaux et des sons ou bien suivre la brutalité de la voie qu'il trace et accepter de s'engager personnellement comme il semble le faire. Le second choix est sûrement le meilleur mais c'est aussi le plus douloureux. À l'image du titre “Strength Through Fragility” (qu'on pourrait traduire par “la force dans la fragilité”), la violence de Clark n'est pas immédiatement perçue car le personnage est calme et il n'y a rien qui permet de prime abord de se dire que sa musique est singulière (on a vite fait de l'assimiler à d'autres artistes IDM). Mais tout cela est bien sournois. Des structures hachées et des petites claques judicieusement placées on vite raison de nous. S'il était un guerrier, Clark serait un vieux ninja ; calme et détaché mais capable de tuer en trois coups bien placés.

Winter Linn, dernier single de son album

Alors, cet album ‘Clark', que vaut-il ?

Je pense que c'est l'un de ses meilleurs albums. C'est une sorte de synthèse de ce qu'il a fait jusqu'alors et on sent vraiment qu'il s'est énormément engagé dans les morceaux. Est-ce la raison pour laquelle cet album porte son nom ? S'est-il dit que cet album regroupait ce qui lui ressemblait le plus ? On peut en douter mais on ne peut pas trop s'empêcher de penser que donner son nom à un album après presque 15 ans de carrière signifie quelque chose pour lui ; et ça a certainement une influence dans l'écoute.

Au delà de cet engagement qu'on ressent dans les morceaux, on retrouve en partie le travail sur l'électro-acoustique qu'il avait brillamment réussi en 2006 avec Body Riddle (ainsi qu'en 2012 avec Iradelphic), son côté techno — qu'il avait bien poussé sur Turning Dragon (2008) —, des mélodies super efficaces, l'art d'éclater ses morceaux dès qu'on commence à s'y habituer ainsi qu'une production excellente qui donne une profondeur incroyable à ses mixs. À côté de ça la tracklist est parfaite bien qu'elle soit plus un assemblage qu'une construction — et c'est peut-être ce sérieux dans le laisser-aller qui fonctionne si bien. On est captivé tout en parvenant à être surpris au fil de l'album, on est renversé d'un moment de sérénité à de vraies scènes de violence où l'on serre et les dents et retient son souffle. C'est un album extrêmement tendu et c'est beau.

— “Quelle est la source d'inspiration qui te permet de te lever le matin en disant : “Je me sens X et je vais faire Y” ?"
— “X”

Si on peut à nouveau danser sur ‘Clark' (ce qu'Iradelphic avait réussi à nous faire oublier), ce n'est pas de la musique de club pour autant. Je pense qu'on l'apprécie bien plus en étant hyper attentif et en prenant gentiment sa baffe.

Morning Moments #55

Micusnule — 2013-09-15T07:49:48Z

Écouter l'épisode 55 de Morning Moments :

Liste des titres :
– félicia ATKINSON : the sorcerer
– susan FRIKBERG : fugitive
– MARIE AND THE ATOM : orange towel song
– OKKYUNG LEE : upon a fallen tree
– MARGARETH KAMMERER : open his haad , baby
– DELIA DERBYSHIRE : sea
– YOSHIMIO : mochiii
– FRANCE-MARIE UITI : without words III
– AYUO : ama no umi
– NICO : frozen warnings

j'ai cherché les mots, j'ai cherché les gestes, j'ai cherché l'instant
mais la rivière glisse lentement vers la mer
les fleurs se fanent
et la terre tremble

– Écouter cette sélection sur Morning Moments

Extreme Music From Africa

Yann — 2011-04-04T21:45:52Z

Du remarquable travail d'investigation de Susan Lawly dans le domaine des musiques extrêmes, on connait bien la compilation Extreme Music From Japan. Peut-être moins connue, Extreme Music from Africa révèle la face expérimentale d'un continent trop souvent associés aux seuls folklores ancestraux et à des courants dominant de la musique amplifiée tels que la Juju Music ou l'Afrobeat.

A l'écoute d'Extreme Music from Africa, florilège de pièces musicales compilées par Susan Lawly avec l'aide de William Bennett, il apparaît clairement que les expérimentations de Lucien Monbuttou, Jonathan Azande, Government of Action ou encore Godfey J. Kola n'ont rien à envier aux expérimentateurs européens, américains ou encore japonais. Bandes magnétiques triturées, drones électroniques, field recording, les artistes usent de tous les moyens connus de la musique expérimentale pour composer des pièces parfois violentes, souvent hypnotiques, et dans lesquelles transparaissent parfois des trace de folklores locaux.

Petro Loa - No Rada No Rada

Voir en ligne : Le site de Susan Lawly

Bruce Haack

Pierlo — 2011-03-09T12:44:53Z

Bruce Haack commenca dès les années 50 à expérimenter la composition musicale sur des synthétiseurs qu'il fabriquait lui-même. Au contraire de ses pairs compositeurs éléctroacousticiens, il prônait une musique ludique libératrice dont il lancera les bases dans des camps de recherche artistique sous peyotl.

dans le milieu des années 50, il compose ses premières œuvres sans se soucier des genres ni des formes allant de la musique pop à la musique concrète pour des petits EP ou des pièces de danse et de théâtre.

Dans les années 60, il rencontre un intérêt pour ses compositions pour synthétiseurs et s'ouvre à l'univers du rock psychédélique qui lui donnera les moyens d'appliquer ses expérimentations à un public plus large.

De ses recherches en psychologie il creusera l'idée de toucher par la musique l'inconscient des enfants et adolescents d'où une série d'albums pour enfants complètement barrés dans la foulée desquels il compose son oeuvre majeure et incroyablement visionnaire “Electric Lucifer” (1969).

S'ensuivront une poignée d'albums de la même veine jusqu'au début 80 où on le retrouve collaborant avec le naissant Def Jam sur des compositions proto-hip hop délirantes comme “Party Machine”.

Il décède en 1988 mais son label de musique pour enfants continuera de produire.

Electric Lucifer

Reste l'image d'un génie sans prétention dont on compte parmi ses plus grands fans Peanut Butter Wolf, Money Mark ou Mouse on Mars mais on entend son influence directe ou indirecte déjà dans la No Wave new yorkaise des 80's ou de toute évidence chez Kraftwerk.