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Dungeon Synth, the Dark Paths

DrNoze — 2017-05-19T11:38:13Z

Une sélection d'albums, un mix et un focus autour de cette bien sinistre scène qui serpente quelque part entre noise, ambient, black metal, musique de jeux vidéo et folklores médiévaux.

Musique de film sans film, bandes originales pour dépression chronique, lectures lovecraftiennes ou séances nocturnes de Jeux de rôle sur table, la Dungeon Synth est une musique, souvent bricolée avec des bouts de ficelles, et qui hésite entre grâce minimaliste, soif d'expérimentations et jeux de références à la frontière du mauvais goût.

Mix : Jocelyn Anglemort

Genre musical à la croisée des chemins, la dungeon synth est perdue sur une terre aride, quelque part entre la musique de film, tendance heroic fantasy (Conan), et l'ambient la plus sombre. Ce sous-genre du black metal, dont les inspirations se veulent également visuelles et littéraires, est en effet tiraillé dans plusieurs directions. Si le black metal en a été le terreau, l'ambient, l'IDM, la noise expérimentale, la musique de film et de jeu vidéo, le classique et la folk médiévale en sont les points cardinaux.

À tel point que la Dungeon Synth a à son tour elle-même généré de nombreux sous-genres. "Dark Ambient" pour les morceaux pionniers, très liés au metal, "Winter Synth" pour les ambiances glaciales et synthétiques, "Dungeon Noise" pour les projets les plus bruitistes et expérimentaux, "Idyllic Synth" pour ceux aux consonances pastorales, on en trouve bien d'autres. Malgré un genre très codifé on retrouve une certaine liberté d'expression dans la multiplicité de ces sous-genre, ainsi que dans les formats, certains morceaux pouvant durer plus d'une heure, quand d'autres feront moins d'une minute.

Le genre est né au début des années 1990, au départ sous l'éthiquette dark ambient, avec les side projects de certains musiciens issus de la scène black metal, comme Burzum et Mortiis. L'idée est alors d'étirer sur la longueur ces intros ou interludes aux accents cinématiques qui parsemaient les albums de l'époque, pour en faire de véritables projets. Sous-scène d'une sous-scène elle-même déjà très underground à l'époque, la dungeon synth est une véritable musique de niche, extrêmement souterraine.

Avec son esprit très « do it yourself », la dungeon synth glorifie l'amateurisme et ne se diffusera d'ailleurs, dans un premier temps, pratiquement que sur des cassettes audio. Il n'est pas rare alors, que celles-ci, enregistrées à la maison sur du matériel de fortune, soient simplement qualifiées de « demos » et que les morceaux se retrouvent sobrement intitulées "untitled".

À la suite des pionniers dans années 1990, une nouvelle vague de musiciens a repris le flambeau dans les années 2000, et plus particulièrement aux début des années 2010 grâce à l'avénement de la plate-forme de diffusion Bandcamp. Si cette nouvelle vague de dungeon synth se diffuse aujourd'hui principalement sous forme de fichiers numériques, le support cassette y est également toujours très présent. Plus qu'un gimmick, la basse fidélité est en effet souvent un élément constitutif de cette musique qui joue sur la nostalgie des temps anciens. Comble du fétichisme, certains musiciens vont jusqu'à préciser sur la page de présentation de l'album que les fichiers audio sont le « rip officiel » de la cassette.

Certains artistes semblent vouloir se délester de cet aspect low-fi, voire de la dimension sombre issue du black metal, pour s'aventurer vers des compositions plus bucoliques et/ou épiques, qui pourront prendre des allures de grands orchestres philharmoniques (comme le français Erang). Mais une autre, celle qui va nous intéresser ici, tente, elle, bien au contraire de retrouver les sonorités poussiéreuses et malades des années 1990 et de pousser plus avant l'aspect avant-gardiste et minimal de cette musique qui n'est jamais aussi bonne que quand elle arrive à allier au sein d'une même œuvre une dimension très expérimentale, parfois presque conceptuelle, et une autre, plus narrative, sensible et presque désuète.

Une sélection de neuf projets sortis ces dernières années, et qui, plutôt dans une veine sombre, low-fi et expérimentale, sortent du lot.

Ungl'Unl'Rrlh'Chchch ‎– Ungl'Unl'Rrlh'Chchch (2001)
Situé sur les bordures expérimentales du genre, cet unique et mystérieux projet réédité en 2014 (Probablement un side project de Trollmann av Ildtoppberg ) est une pièce de maître encensée par la communauté et qui présente un travail remarquable sur les textures sonores et de nombreuses variations de styles. Le titre « Ungl' Unl' Rrlh' Chchch » est une phrase tirée de la nouvelle L'étranger de H.P. Lovecraft et l'album pourrait, en effet, être la bande son parfaite de l'oeuvre lovecraftienne. Chaque morceau possède une véritable personnalité et un style qui lui est propre. De lentes mélopées vrombissantes et vides de mélodies qui tirent vers la drone et l'ambient, un piano dissonant qui improvise des mélodies inspirées de la musique contemporaine, des orgues saturés et des coeurs angoissants pour une célébration morbide, et, pour clôturer l'album une pure pièce de noise.
– Ungl'unl'rrlh'chchch sur Bandcamp

Ungl'unl'rrlh'chchch by Ungl'unl'rrlh'chchch

Old Tower - The Book of Ages (2015)
Le premier projet d'Old Tower, sorti en 2015, avec son minimalisme low-fi, sonne comme un retour aux sources. Un classicisme dark ambient qui tente de rester au plus proche de l'esprit des cassettes poussiéreuses circulant sous le manteau dans les années 1990. Présenté comme un seul morceau de 14 minutes et consistant en trois mouvements, il nous embarque dans un voyage intérieur vers des contrées mystérieuses. Depuis, Old Tower sort régulièrement de nouveaux albums tous recommandables.
– The Book Of Ages sur Bandcamp

The Book Of Ages by Old Tower

Abandoned Places - The Funereal Call (2016)
Dernier projet censé clôturer la série mystérieuse et très remarquée Abandoned Places, cet unique morceau monolithique de 77 mn est un bijou de cohésion minimaliste, un véritable monochrome noir dont la lumière ne s'échappe pas et au fond duquel le temps semble s'être arrêté. L'auteur prolifique de cette série de 8 albums serait également derrière de nombreux autres projets très intéressants dont Mystic Towers, Erdstall ou encore Turonian.
– The Funereal Call sur Bandcamp

The Funereal Call by Abandoned Places

Soy Fan Del Dark – SFDD (2016)
La musique de SFDD est ascétique. Chaque morceau se présente comme une miniature, une courte vignette présentant un élément de dungeon synth mis en boucle. Le résultat est rachitique, sombre et hypnotique. Les rythmiques sont sèches et les motifs répétitifs et monochromes. Avant ça Soy Fan Del dark avait déjà sorti un projet assez différent en collaboration avec Bilhazia, un artiste qui penche plutôt vers la tendance expérimentale de la beat scene (comme DTCPU ou Ras G). Soy Fan y lâchait cinq pistes saturées de guitares déjà très répétitives.
– SFDD sur Bandcamp

SFDD by Soy Fan Del Dark

Apothecarium – Demo II (2016)
Après une première courte demo parue en janvier 2016, Apothecarium revient quelques mois plus tard avec un nouvel opus au sein de la très bonne équipe de Moonworshipper Records. Apothecarium continue, avec Demo II, à débroussailler les mêmes sombres sous-bois qu'auparavant, mais en ayant bien pris soin d'aiguiser encore un peu plus ses outils. Ses orgues fatiguées, sentant la poussière et l'humus, aspirent à la lumière et nous jouent leurs mélodies imprégnées de nostalgie, mais sans toutefois être complètement dénuées d'espoir.
– Demo II sur Bandcamp

Demo II by Apothecarium

Ranseur – Obsidian Throne (2016)
La musique de Ranseur, tout comme ses pochettes (qu'il dessine lui-même), est très minimaliste et plutôt atypique dans la galaxie dungeon synth. Chaque morceau se compose de petites ritournelles qui gesticulent étrangement sur un lit de souffle noise. Si elles peuvent faire écho aux restes de musiques folkloriques médiévales que l'on retrouve souvent dans la dungeon synth, ces mélodies aux relents extra-terrestres nous rappellent également certaines oeuvres de Sun Ra et paraissent finalement plus provenir d'une autre dimension que de notre bon vieux Moyen-Âge (même passé à la moulinette de J. R. R. Tolkien).
– Obsidian Throne sur Bandcamp

Obsidian Throne by Ranseur

Foolish Fire – The Culture of Loss (2016)
Des corbeaux, du vent, un clocher et un orgue. The Culture of Loss est un projet plutôt mineur et atypique de ces dernières années. Malgré son amateurisme et sa simplicité, il tranche par un radicalisme formel et un minimalisme réjouissant. Les deux amples morceaux qui le composent sont constitués de longues plages d'ambiance survolées d'un unique orgue improvisant des litanies dépressive. Il nous transporte dans un univers sombre et désolé, peuplé de charniers et de potences. Grief as a Passion, la suite de The Culture of Loss vient de tout juste de sortir.
– The Culture of Loss sur Bandcamp

The Culture of Loss by Foolish Fire

Brutus Greenshield - Demo (2017)
La première demo de Brutus Greenshield est une cassette dans l'esprit des années 1990, avec son souffle, ses sombres orgues imprégnées de mystère et ses bruitages d'ambiance. Derrière des mélodies empreintes de nostalgie à la forte puissance évocatrice, on peut discerner le crépitement des feux de bois sous la canopée aux bruits des épées qui s'entrechoquent. Sur sa page Bandcamp, un tag « dungeon jazz » retient l'attention au milieu des éternels « dungeon synth », « dark ambient » et autres « dwarf synth ». On ne trouvera pas de swing, de solo de saxophone ou de contrebasse dans la demo de Brutus Greenshield, on reste bien dans du pur dungeon synth orthodoxe. Mais on y dénichera peut-être un certain sens de la composition et des arrangements plus poussés qu'à l'accoutumée.
– Demo sur Bandcamp

Demo by Brutus Greenshield

Einhorn – Demo I (2017)
Une des forces de la Dungeon Synth en tant que genre est de rendre accessible des styles musicaux qui peuvent frôler l'expérimental le plus hermétique, en y apportant une dimension narrative et sensuelle. La musique de Einhorn (side project de Tyrannus ) en est l'exemple parfait. Demo I, avec ses deux longs morceaux, arrive à ajouter à la noise la plus extrême, une sensibilité particulière et invite l'auditeur à parcourir les espaces sonores les plus fous tout en maintenant constamment un pied dans le réel, ou du moins dans cette réalité imaginaire, peuplée de licornes et de donjons démoniaques. On retrouve d'ailleurs également ce mélange des genres dans les références affirmées dans les titres des morceaux. Quand le premier, The Captive Unicorn, puise son inspiration dans une série de tapisseries de la renaissance, le second, Durlag's Tower, revisite, quant à lui, un épisode du jeu vidéo Baldur's Gate.
The Tyrant's Tower, qui contient la suite de Durlag's Tower est également à écouter.
– Demo I sur Bandcamp

Demo I by Einhorn

Liste des titres du mix :

Foolish Fire – I : Pilgrimage (Edit)
Old Tower – The Rise of the Specter Part I (Edit)
Spectral Kingdom – Spectral Kingdom (Edit)
Turonian – Skeletal Memory (Edit)
Brutus Greenshield – The Battle Made His Shield Red (Edit)
Blood Tower – Hidden in the Wallpaper (Edit)
Ungl'unl'rrlh'chchch – Azathoth (Edit)
Soy Fan Del Dark – Untitled 1 (Edit)
Blood Tower – I Heard Terrible Noises Coming From the Attic (Edit)
YEARNER – Evenings (In Remembrance) (Edit)
Mystic Towers – Caverns of Crystal (Edit)
Cloak & Daggere – Fading Presence (Edit)
Apothecarium – Wet Feet of the Gatherer (Edit)
Soy Fan Del Dark – Untitled (Edit)
Abandoned Places – Kalynthia (Edit)
Lost Chateau Of Montague – I (Edit)
Abandoned Places – The Funereal Call (Edit)
Voormithadreth – Ornava (Edit)
Roman Master – I Died Because I Was Weak (Edit)

Pour aller plus loin :
– Dungeon Synth Blog
– Dungeon Excavation
– Asmodian Coven

SOPHIE – Cute or not cute ?

Silvan — 2016-01-18T12:12:13Z

En fin d'année dernière, SOPHIE sortait son premier album Product, une compilation de huit titres promise au label Numbers. L'occasion pour nous de découvrir cette musique enrobée de couleurs flashy et de latex.

Pour en faire une rapide présentation, SOPHIE aka Samuel Long est un producteur anglais de musique pop/électronique dont l'univers esthétique se situe aussi bien du côté kawaii de la J-pop que du côté SM de la culture porn.
Côté ressemblances, on trouve quelques liens évidents avec Hudson Mohawke (Warp) et Rustie (Numbers), mais surtout une grande proximité avec les membres du collectif PC Music (Hannah Diamond, EasyFun et GFOTY, par exemple), fondé par A.G. Cook et avec lequel il a collaboré par le passé (Hey QT et Yelle Remix).

Dans l'écoute et dans ses rares manifestations, SOPHIE nous met face à une étrange sensation et on se demande s'il faut se contenter d'apprécier (ou détester) une forme de revival poussif de la dance ou si la démarche n'est pas beaucoup plus élaborée que ça. Faut-il prendre au sérieux son côté cute déstructuré ou faut-il plutôt y voir une sorte d'esprit malsain et dérangeant ?

Alors SOPHIE, « Cute or not cute ? »

À mon sens – après avoir poncé les Internets en quête de réponse –, c'est la vraie question autour de laquelle est forgé le personnage de Samuel Long. C'est probablement cette ambiguïté qu'il cherche à cultiver dans sa musique – montrant tant le visage joyeux et innocent de la pop et de l'EDM que son aspect excessif et sans limites.

L'influence de la pop culture des années 90-2000 est très claire et se retrouve dans ses collaborations (avec Namie Amuro et même en juin dernier avec Madonna) et remixes (avec la chanteuse française oubliée Yelle, par exemple).
Musicalement, ça se manifeste par des synthés, des accords majeurs, des rythmes dansants, des formats courts, les structures classiques de la pop, des mélodies catchy, des voix pitchées à l'hélium imitant celles de petites filles et des paroles qui tournent autour de l'amour, des fêtes et du sexe.

Jusque là, aucun problème et la référence assumée à la sexualité n'étonne pas vraiment compte tenu du fait que la culture pop en a été abreuvée et n'hésite pas à l'afficher clairement. Cela ne suffit peut-être pas à considérer qu'il est malsain (quoique la question se pose parfois légitimement à l'égard de la pop, mais c'est un autre débat). On pourrait même très judicieusement nous dire que cette attitude n'est pas si nouvelle que ça et qu'il y a bien longtemps que les chanteuses en jupes plissées émoustillent un public pas toujours présent pour la musique… On nous rappellera alors très justement que des artistes comme Britney Spears ou Miley Cyrus apparaissent régulièrement sous les traits de lycéennes délurées (voire de petite fille), tout en étant conscientes du fait qu'elles choquent souvent le grand public – ou du moins ses représentants les plus puritains.

Mais la différence, c'est qu'avec SOPHIE, tout est suggéré. Il n'y a pas de mise en scène de jeunes filles dans ses clips, ni de paroles trop explicites. L'ambiance qui se dégage de sa musique n'est pas seulement « cute » ou simplement décalée et pseudo choquante (à la manière de Miley Cyrus qui fait bien ce qu'elle veut avec ses seins). Elle est aussi intentionnellement brutale et violente.

En effet, le mélange semble délibérément malsain et pas vraiment destiné au même public que Britney ou Miley – bien que SOPHIE ait collaboré avec des popstars. C'est un public plus âgé qui est visé ; un public qui a vu apparaître Internet et qui en connaît les pires aspects, qui a grandi en écoutant (ou en subissant) la pop et la dance des années 90-2000, et qui se demande bien comment on peut continuer de faire un truc pareil aujourd'hui. C'est avant tout du cynisme qu'il y a dans la musique de SOPHIE. Ce cynisme se manifeste par l'ajout de larsen, l'utilisation de sons synthétiques rappelant le bruit du latex ou de bulles qui éclatent, de saturations, de rythmes violents et de structures parfois complètement imprévisibles et hachées.

Tout ceci nous conduit à porter un nouveau regard sur la musique de notre enfance/adolescence et nous sommes partagés entre le désir de prendre notre voisin dans les bras en chantant les paroles à tue-tête, et celui de nous mettre à mosher salement.

En fait, SOPHIE semble s'amuser à mettre les gens dans cette situation très embarrassante, un peu comme s'il proposait à un groupe de lycéennes japonaises consentantes de faire une petite vidéo bondage amateur dans un cave, tout en devant garder le sourire.

Les interventions et interviews de SOPHIE contribuent également à ce flou esthétique. Par leur rareté d'abord ; SOPHIE évite clairement de trop communiquer sur sa musique et quand il le fait, il préfère répondre à ses fans ou bien donner des interviews techy. Par sa discrétion ensuite ; en effet, dans ce genre musical, nous sommes moins surpris de retrouver une égérie colorée et à la plastique « parfaite » comme Hannah Diamond ou QT, que de nous retrouver face à un homme discret, travaillant peu son image et ne se montrant jamais dans sa communication visuelle (sauf derrière ce bras couvert de latex, comme dans la photo de couverture). À l'instar de son ami A.G. Cook qui semble assumer son image normcore, Samuel Long préfère (pour l'instant) ne pas trop jouer sur son apparence, mais plutôt sur l'image de sa musique. Ainsi, lors de son DJ Set pour Boiler Room, il demandera à une drag queen de le personnifier derrière les platines tandis qu'il se contentera de jouer le garde du corps.

Pour couronner le tout, l'achat de la version physique de « Product » est accompagné d'un « silicon product » qui n'est autre qu'un sex-toy à deux têtes dont l'une est lisse et l'autre est en relief – un objet parfaitement à l'image de sa musique.

Écouter l'album « Product » en intégralité.

Jusqu'à la nausée (SOPHIE, PC Music et assimilés) :
SOPHIE – Physical
SOPHIE – GET HIGHER et UNISIL (morceaux bonus de la version japonaise et du « Silicon Product »)
GFOTY – Friday Night (SOPHIE Remix)
Charli XCX – Vroom Vroom (prod. par SOPHIE)
Le1f – Koi (prod. par SOPHIE)
LIZ – When I Rule the World (prod. par SOPHIE)
PC Music Volume 1

Bilan 2015 : Rétrospective électronique

Tis — 2016-01-11T06:40:47Z

Tis partage avec nous ses coups de coeurs 2015 en matière de musiques électroniques.

Une sélection personnelle, volontairement éclectique et forcément non exhaustive afin de revenir sur quelques projets sortis en 2015 continuant de révéler la diversité des musiques dites électroniques.

– DJ Earl - Live love teklife
L'un des plus éminents représentant de la famille Teklife nous propose au sein de ce "Live Love Teklife" 7 titres de très belle facture portés par cette approche rythmique frénétique, typique du footwork. Le résultat, inspiré de ses voyages, devient détendu tout en demeurant soutenu par ce tempo vivace et ces samples répétitifs... comme pour nous rappeler que DJ Earl est probablement à ce jour l'un des DJ les plus intéressants de cette scène issue de Chicago. Enfin, une belle invitation aux danseurs émérites et amateurs de BPM rapides à répéter leurs pas dans un environnement apaisé.

– Track préféré : Funk from 2905

Live Love Teklife by DJ Earl

– Levon Vincent - Levon Vincent
Un jour avant sa sortie officielle, le producteur américain Levon Vincent décidait d'offrir gratuitement via son compte Twitter son premier disque éponyme. Et il est bien question de partage au sein de ces 11 morceaux variés : c'est une sincère déclinaison personnelle de la musique techno au travers d'un panel d'ambiances différentes, raffinées et travaillées.

– Track préféré : Launch ramp to tha sky

– Romare - Projections
Sorti chez Ninja Tune, "Projections" est un exercice composé par Archie Fairhurst qui rend ici un bel hommage à la culture musicale afro-américaine. Via ses samples allant de Nina Simone à James Brown, le collagiste sonore nous entraîne à la rencontre des racines de la black music grâce à de belles ballades oscillant entre house, breakbeat et rythmes down-tempo. Et nous donner par la même, l'envie de se (re)pencher sur ces courants qui aujourd'hui encore continuent d'influencer les créations modernes.

– Track préféré : Motherless child

Projections by Romare

– Thylacine - Transsiberian
Illustrateur, saxophoniste, William Rezé est un artiste possédant plus d'une corde à son arc et qui a certainement signé l'un des projets les plus étonnants de l'année 2015 : Transsiberian est un album électronique imprégné par l'ambiance ferroviaire de plus de 100 gares composé dans le train éponyme en 160 heures entre Moscou et Vladivostok. Une véritable invitation à voyager à l'Est le casque sur les oreilles en contemplant le défilement des paysages.

– Track préféré : Irkutsk

Transsiberian by Thylacine

– Rone - Creatures
C'est un nouveau bijou sorti de son home-studio que nous présente ici Rone : un univers enchanté de morceaux captivants qui nous confirme le talent d'Erwan Castex pour la composition de perles phoniques de qualité. Et pour couronner le tout, de nombreux artistes prestigieux et atypiques allant du trompettiste de génie Toshinori Kondo à Etienne Daho, en passant par Bachar Mar-Khalifé ou encore François Marry (Francois and The Atlas Mountains) viennent apporter leur contribution à ce nouvel album onirique.

– Track préféré : Quitter la ville

Creatures by Rone

– DJ Paypal - Buy now
Autre trublion de l'écurie Teklife, le jeune masqué DJ Paypal a produit en janvier dernier chez LuckyMe un maxi enjoué revisitant les années disco sur des rythmes effrénés flirtant entre juke et ghetto house. C'est un maxi innovant qui est livré ici, efficace et réussi avec ses samples boogie accélérés et ce déluge rythmique... jusqu'au morceau "Sonnade", irréel et surprenant havre aérien de calme au milieu des autres tracks survitaminées. Comme pour nous prouver que le Berlinois dispose de ressources encore insoupçonnées.

– Track préféré : I'm ready

Buy Now by DJ Paypal

– Ø [Phase] - Alone in time ?
Dans la famille de la techno modulaire et brute, je voudrais celle venue d'Outre-Manche et notamment celle de Ø [Phase]. Le londonien nous présente ici son deuxième album qui a tout d'une bonne résolution : “Frames Of Reference was about overcoming personal struggles and challenges, while Alone In Time is more forward facing.” Paru chez le label allemand Token, "Alone in time ?" est sombre et entêtant, primal et répétitif : définitivement idéal à écouter à 4H du matin, perdu au sein d'un warehouse au milieu des faubourgs d'une métropole.

– Track préféré : Orbitron

– John Carpenter - Lost themes
Qui n'a jamais frissonné à l'écoute d'un des thèmes réalisés par le Master of Horror pour ses réalisations cinématographiques ? John Carpenter crée ici un recueil de bandes-sons pour films oubliés où l'on retrouve sa composition de mélodies et d'atmosphères si caractéristiques. Au travers de 9 titres, c'est une authentique plongée au sein d'un univers cinématique fascinant, mélangeant prog-rock et musique électronique. Nul besoin de vidéo, cette OST hypnotique a tout pour stimuler l'imagination.

– Track préféré : Abyss

Lost Themes by John Carpenter

– Architectural - Amour
Sorti sur le label hollandais Wolfskuil (fondé par Darko Esser), "Amour" est un disque aux ambiances froides et atmosphériques, quelque part entre deep techno et ambient spatial. L'espagnol Juan Rico aka Reeko aka Architectural livre ici 8 titres minimalistes, tour à tour envoûtants et apaisants.
Pour citer Juan : "Of course, it's really different compared to other albums, but that's love !"

– Track préféré : Sentir

Architectural | Amour | WOLF002LP by Architectural

– Branko - Atlas
Avec "Atlas", le producteur Branko du groupe Buraka Som Sistema offre de délicieuses escapades sonores autour du monde. Il y fait notamment la part belle aux rythmes chauds et chaloupés de l'afro-house, du gqom, de la baile funk et d'autres micro-scènes locales malheureusement trop souvent labellisées global bass. Un premier album tropical coloré composé entre Amsterdam, Cape Town, New York, São Paulo & Lisbon où l'on retrouve une myriade d'invités allant de Mr Carmack, au producteur jersey club DJ Sliink en passant par le duo Princess Nokia ou encore le rappeur sud-africain Okmalumkoolkat.

– Track préféré : Eventually

ATLAS by Branko

– Bambounou - Centrum
Le parisien Bambounou a mûri sa vision de la techno, c'est indéniable. Il conte dans "Centrum" une fable futuriste dystopique inspirée par Dune, Akira ou encore Fondations, à la fois abstraite et hétérogène. Un album électronique imprévisible, comme pour mieux nous perdre, enfermés dans ce labyrinthe clubesque à la géométrie non euclidienne.

– Track préféré : At the mirror

– Floating Points - Elaenia
Elaenia est une oeuvre splendide, un voyage musicale de toute beauté, une lente envolée au sein d'un univers sophistiqué aux notes jazzy.
Docteur en neurochirurgie, Floating Points compose ici un album de qualité et ce n'est au final guère une surprise que de retrouver ce disque trônant fièrement dans plusieurs "Top albums 2015".

– Track préféré : Silhouettes (I, II & III)

– Fort Romeau - Insides
Paru chez Ghostly, Michael Green confirme dans ce deuxième album sa passion pour la house mélodique, définitivement deep et groovy. 8 tracks colorées et soignées qui retiennent l'attention tout en transportant l'auditeur. On notera l'attention portée volontairement sur la composition machines (Moog Voyager, Korg 770, Roland Juno-6...) et à la post-production (faisant partie intégrante de la réalisation du son souhaité selon Fort Romeau).

– Track préféré : Folle

Insides by Fort Romeau

Bilan 2014 : Rock & electro

Silvan — 2015-01-05T08:13:35Z

L'année 2014 terminée, Silvan fait le point sur les albums qui ont retenu son attention. Pas de grande surprise et pas de grosse pépite mais quelques chouettes albums quand même.

Je suis certainement passé à côté de beaucoup de très belles choses cette année et j'espère pouvoir me rattrapper en 2015. Mais dans l'ensemble, j'ai eu l'impression de voir passer des albums plutôt médiocres, peu ambitieux ou bien sans trop de vie. Pour cette raison, cette liste n'est pas une liste de “must have” et pas vraiment un top. C'est plutôt une liste de ce que je veux retenir de cette année et de ce que je réécouterai probablement. Il n'y a sûrement aucun chef-d'œuvre mais il y a toujours quelque chose à se mettre sous la dent.

- Clark – Clark

C'est un album dense et vraiment intense dont on parlait ici. À la fois froid, brutal, et plein d'honnêteté. Probablement l'un de mes coups de cœur de l'année.

- Dorian Concept – Joined Ends

Un bon album qui fait plaisir. Pas flamboyant d'originalité mais les mélodies sont hyper efficaces et ça m'a fait danser.

- Flying Lotus – You're Dead

Celui-ci est vraiment cool avec un format curieux (plein de morceaux courts qui s'articulent très bien). Je ne l'ai pas trouvé exceptionnel car j'ai tendance à être vite écœuré à l'écoute de Fly Lo, mais j'ai beaucoup aimé le fait qu'il se rapproche doucement du free jazz. Même les tubes sont vraiment bons (“Never Catch Me Now” ft. Kendrick Lamar par exemple. En plus, le clip est vraiment super).

- Tigran Hamasyan – Mockroot

Je triche un peu pour celui-ci car il n'est pas encore sorti (annoncé pour février 2015). mais je ne résiste pas car son précédent album était excellent et celui-ci s'annonce super audacieux (et non moins excellent compte tenu des deux titres parus). Pour ceux qui ne connaissent pas du tout le personnage, allez voir ça de toute urgence.

- Tim Hecker – Virgins

Bon, pareil pour Virgins. Il date de fin 2013 mais je ne l'ai découvert que cette année et j'ai pris une grosse claque. C'est d'une puissance rare pour de l'ambient. C'est très très fin et très beau. Parfois évident, parfois très frustrant car il faut presque deviner ce qui se passe entre toutes les voix superposées. Certains thèmes sont même développés en arrière-plan, à peine audibles dans la masse et très clairs dans une écoute distante. À écouter sur le plus de systèmes d'écoute possible ! Je pense qu'on y découvre des détails à chaque fois.

- Jon Hopkins – Asleep Versions

Un superbe EP. Il est relativement mineur car les morceaux ne sont que des variations de son dernier album Immunity mais il est quand même très beau, très bien assemblé et on a hâte de voir ce qu'il nous réserve pour la suite.

- Mehliana – Taming the Dragon en live

Taming the Dragon, le premier album de Brad Mehldau et Mark Guiliana est hyper kitch et on a juste envie de dire à Mehldau de ranger ses synthés car c'est moche. C'est même épuisant principalement à cause de ça à vrai dire. Pourquoi je le retiens alors ?
En fait c'est très déroutant car je trouve le duo excellent malgré ces choix esthétiques qui me dépassent complètement. En offrant des nouvelles banques de sons à Brad Mehldau cet album serait super intéressant car les compos sont souvent vraiment chouettes et ils sont techniquement impressionnants . Tout l'intérêt se fait en live en fait car on oublie très vite les sons à la Jean-Michel Jarre et on prend une belle claque.

- The Notwist – Close to the Glass

J'aime beaucoup la richesse et la variété de cet album. On est très souvent surpris dans le choix des sons et par les compos en général. Par contre gros bémol sur les parties de voix qui varient bien trop peu par rapport aux instrumentaux (à mon goût).

- Run the Jewels – Run the Jewels 2

Je ne suis pas un grand connaisseur de hip-hop mais je trouve cet album mortel. Tous les morceaux sont pleins de bonnes idées, c'est bien produit, efficace et ça sonne carrément.

- Thom Yorke – Tomorrow's Modern Boxes

Suivi par un single paru le 26 décembre.
Ça n'est pas un grand album mais il a une certaine saveur qui me plaît, entre la contemplation et l'amertume. Ça sonne un peu comme un retour chez soi en fin de soirée, après une dernière heure de mix pénible en club. On se demande un peu pourquoi on est resté jusqu'au bout ; partagé entre le plaisir de quelques bons moments passés et le regret d'être venu.

Clark : Strength Through Fragility

Silvan — 2014-12-01T15:03:59Z

Clark est arrivé il y a maintenant 13 ans chez Warp et après six LP (ainsi que quelques EP et un album de remixes), il vient de sortir un album éponyme au début du mois de novembre. Après toutes ces années d'activité on revient sur sa carrière et sur cet album.

À la différence d'Aphex Twin — l'autre géant du label, dont on parlait ici —, Clark ne s'est jamais absenté de la scène électronique, et pour cause. Comme il le déclare dans cette excellente interview (en anglais), la musique est une réelle obsession pour lui et son travail est clairement à l'image de ce trouble. Il tire toujours le maximum de ce qu'il peut exploiter d'un morceau. Qu'ils soient électroniques ou acoustiques à la base, les sons sont ravagés et emmenés vers ce qu'ils ont de plus brut et profond. Les mélodies sont toujours super efficaces mais sont souvent malmenées pour déstabiliser et créer une confusion énorme. Les parties se font écraser par des brouillards électroniques, déplacent l'attention vers un détail avant de disparaître brutalement. Comme en live, il improvise beaucoup et ça s'entend. Il se perd dans des recoins assez douloureux et la tension est vraiment palpable. Vient alors le temps où il laisse tout ça se décanter. Le calme réapparaît alors pour quelques instants avant d'être à nouveau tiré brutalement face contre terre ; et ça ne s'arrête jamais.

“L'inspiration vient d'un endroit qui nous est précieux — pour ma part, c'est quelque chose qui m'est très très cher. Écrire de la musique m'a permis de traverser les plus sombres périodes de ma vie et j'ai la sensation que j'aurais eu de très sérieux problèmes mentaux si je n'avais pas eu cela.”

Les journalistes lui collent alors l'étiquette d'artiste IDM (principalement parce que c'est pratique) mais c'est faux et prétentieux d'après lui. Il considère son travail comme malin et habille certes, mais pas nécessairement intelligent. Il ne construit pas ses morceaux avec une idée bien précise en tête qui le conduirait à leur donner une forme particulière. Il fouille et expérimente bien plus qu'il n'élabore méthodiquement. Pour cela, il fuit la facilité et cherche toujours plus de résistance dans le matériau qu'il va exploiter.

Comme il le disait sur Reddit :

Je crois que je suis toujours à la recherche de hasard. C'est un paradoxe mais je trouve les ordinateurs incroyablement chiants quand on les prend dans un usage “professionnel normal”. C'est vraiment trop facile maintenant, et je suis bien plus souvent inspiré par la voie la plus difficile.

On a alors plusieurs possibilités : choisir l'écoute imperméable et entrer dans l'analyse technique des morceaux et des sons ou bien suivre la brutalité de la voie qu'il trace et accepter de s'engager personnellement comme il semble le faire. Le second choix est sûrement le meilleur mais c'est aussi le plus douloureux. À l'image du titre “Strength Through Fragility” (qu'on pourrait traduire par “la force dans la fragilité”), la violence de Clark n'est pas immédiatement perçue car le personnage est calme et il n'y a rien qui permet de prime abord de se dire que sa musique est singulière (on a vite fait de l'assimiler à d'autres artistes IDM). Mais tout cela est bien sournois. Des structures hachées et des petites claques judicieusement placées on vite raison de nous. S'il était un guerrier, Clark serait un vieux ninja ; calme et détaché mais capable de tuer en trois coups bien placés.

Winter Linn, dernier single de son album

Alors, cet album ‘Clark', que vaut-il ?

Je pense que c'est l'un de ses meilleurs albums. C'est une sorte de synthèse de ce qu'il a fait jusqu'alors et on sent vraiment qu'il s'est énormément engagé dans les morceaux. Est-ce la raison pour laquelle cet album porte son nom ? S'est-il dit que cet album regroupait ce qui lui ressemblait le plus ? On peut en douter mais on ne peut pas trop s'empêcher de penser que donner son nom à un album après presque 15 ans de carrière signifie quelque chose pour lui ; et ça a certainement une influence dans l'écoute.

Au delà de cet engagement qu'on ressent dans les morceaux, on retrouve en partie le travail sur l'électro-acoustique qu'il avait brillamment réussi en 2006 avec Body Riddle (ainsi qu'en 2012 avec Iradelphic), son côté techno — qu'il avait bien poussé sur Turning Dragon (2008) —, des mélodies super efficaces, l'art d'éclater ses morceaux dès qu'on commence à s'y habituer ainsi qu'une production excellente qui donne une profondeur incroyable à ses mixs. À côté de ça la tracklist est parfaite bien qu'elle soit plus un assemblage qu'une construction — et c'est peut-être ce sérieux dans le laisser-aller qui fonctionne si bien. On est captivé tout en parvenant à être surpris au fil de l'album, on est renversé d'un moment de sérénité à de vraies scènes de violence où l'on serre et les dents et retient son souffle. C'est un album extrêmement tendu et c'est beau.

— “Quelle est la source d'inspiration qui te permet de te lever le matin en disant : “Je me sens X et je vais faire Y” ?"
— “X”

Si on peut à nouveau danser sur ‘Clark' (ce qu'Iradelphic avait réussi à nous faire oublier), ce n'est pas de la musique de club pour autant. Je pense qu'on l'apprécie bien plus en étant hyper attentif et en prenant gentiment sa baffe.

Aphex Twin, Syro, Warp et la vente de disques en 2014

Silvan — 2014-09-24T10:33:04Z

C'est probablement l'évènement du mois dans tous les médias de culture électronique : la sortie du nouvel album d'Aphex Twin, Syro, le 22 septembre. Pour cause, Richard D. James – considéré comme un papa de l'IDM (Intelligent Dance Music) – n'avait pas sorti d'album depuis 13 ans.

Quand on est novice en la matière, une écoute d'Aphex Twin ça se passe souvent comme ça :

On commence par être déstabilisé par les sons kitchs ou le manque de repères rythmiques et mélodiques stables. On trouve ensuite un certain confort (le mot est tout relatif car parfois ça fait quand même bien saigner les oreilles) dans un beat qui s'installe ou dans une suite harmonique et on est ainsi conduit vers un final où la surprise s'est complètement faite oublier. On finit par entrer dans son monde et y est bien. C'est dansant ou rassurant, un peu violent aussi, mais on pourrait rester là pendant un moment parce que l'ambiance est à la fois tendue et rassurante. Et c'est ça qui est bien...

Au final, tout cela s'est passé sans que l'on s'en rende vraiment compte. On commence toujours l'écoute en se disant : « ah ouais, c'est barré ! » et on la termine souvent en se disant « c'est génial ! », sans être trop capable de dire à quel moment on s'est fait embrigader.

C'est peut-être la marque du génie de cet Anglais ; la capacité à brouiller les pistes entre ce qui est complexe et ce qui est évident.

À l'écoute de Syro, j'ai eu exactement cette réaction. Un simple coup d'œil au nom des pistes avant l'écoute et on comprend vite le genre de la maison (par exemple : « 4 bit 9d api+e+6 », « Fz pseudotimestretch+e+3 » ou bien encore « S950tx16wasr10 (Earth Portal Mix) »). Puis on en ressort en se disant qu'il est encore capable de faire les choses bien, même après tant de temps.

Voilà le premier morceau de l'album :

Aphex Twin - minipops 67 [120.2][source field mix]

Bref, c'est un bon album dont on aurait pu faire une chronique détaillée mais internet en regorge et il y a certainement bien d'autres choses à dire.

Ce qui a été vraiment marquant, au moment de cette sortie, c'est le plan de communication orchestré par Warp qui en dit long sur la santé du label et sur un certain rapport à la musique aujourd'hui.

Dans l'ordre, ce plan de communication donne ceci :

En juin dernier : La vente sur eBay d'un exemplaire de Caustic Window (pour $46.300) à Markus « Notch » Persson, créateur de Minecraft. Album inconnu de l'artiste, il était sorti en 4 exemplaires de test en 1994 et venait d'apparaître mystérieusement sur eBay ;
Mi-août, un dirigeable survole l'Oval Space, dans l'Est de Londres ;
Deux jours après, la tracklist est disponible depuis un lien vers le deep-web ;
Début septembre, un vinyle avec un superbe artwork sort à son tour. Il contient notamment une page faisant figurer l'intégralité des instruments utilisés pour la production de l'album ainsi qu'une liste des notes de frais de l'album ;
Au même moment, des séances d'écoutes sont organisées dans plusieurs endroits branchés à travers le monde.

Est-ce vraiment un coup de génie comme l'ont dit les Inrocks ? Aphex Twin n'a pas sorti d'album en treize ans, Warp peine à faire renaître l'étincelle qui faisait vibrer le label à ses débuts et un grand coup marketing aux antipodes de l'image du musicien réservé et solitaire « tient du coup de génie » ?

Personnellement, j'ai trouvé ça complètement disproportionné. D'une part, parce qu'on attise le vieux mythe du génie musical ; celui du type qui est capable de faire naître des pépites quand il veut, de sortir de l'ombre et de révolutionner le monde de la musique alors que ce genre de type n'existe pas. D'autre part, bien que la musique d'Aphex Twin soit relativement singulière dans le paysage musical électronique, Syro est un bon vieil album d'Aphex Twin. Il ressemble énormément à ce qu'il a pu faire auparavant (à la différence du duo anglais d'Autechre qui a réussi un album vraiment original en 2013, avec Exai) et ne nécessitait pas un tel coup marketing car l'album déçoit nécessairement, bien qu'il soit très bon. Syro n'est malheureusement pas une nouvelle révolution musicale portée par ce grand artiste. Rien ne nécessitait de faire tant de promo et surtout de sortir la vilaine arme du buzz.

Warp a connu son heure de gloire et bien que le label semble se maintenir en forme, ça commence à faire quelques temps que je n'ai pas été vraiment enthousiaste à l'égard d'une de leurs sorties (ce n'est peut-être que mon avis). Quand Richard D. James leur annonce qu'il veut sortir un nouvel album, on imagine bien leur réaction. Leur prestige est né en partie du travail d'Aphex Twin au sein de leur label et un gros plan de communication s'impose, c'est peut-être le renouveau de Warp qui est au tournant !

Là est le problème. Suivant la politique du buzz, le label se dit qu'il doit trouver des stratégies de communication pour faire parler de l'album. Pourquoi ? Ne peuvent-ils pas assumer ce réel contre-pied – résolument indépendant – qu'ils avaient à leurs débuts et favoriser une communication lente, respectant l'image de leur artiste ?

Aphex Twin est quelqu'un d'ambitieux mais toujours discret, très peu présent dans les médias et extrêmement posé dans les rares interviews qu'il donne. Il disait à Tsugi : « Si je n'étais pas aussi timide, je me verrais bien à la place de Beyoncé ». Et bien sûr, que fait le service communication de Warp pour être en accord avec cette image ? Il déploie un gros dirigeable au dessus de Londres... Tout va bien, pourquoi ne pas mettre des t-shirts Aphex Twin au pandas dans les zoo du pays ?

Considéraient-ils que la notoriété du personnage ne suffisait pas ? Aphex Twin a clairement marqué l'histoire de la musique, c'est une certitude. Pourquoi utiliser de vieux artifices quand on n'a pas besoin de ça pour alimenter les légendes autour de l'artiste ?

La même année, le Wu-Tang Clan sortait Once Upon a Time in Shaolin, un album à exemplaire unique enregistré sur six ans et mis en vente aux enchères (une première offre ayant fixé l'estimation à 5 millions d'euros...). L'année précédente, Beyoncé sortait un « album-visuel » sans aucune annonce préalable et dans le plus grand secret pour jouer sur l'effet de buzz. Les Daft Punk sortaient un album de pop/funk en jouant sur l'image de leur éternel casque – qu'ils diffusaient dans un clip vidéo de 15 secondes en introduction de l'émission Saturday Night Live. De la même manière, il y a quelques jours seulement, U2 imposait son nouvel album dans la bibliothèque iTunes de tous les propriétaires d'iPhone, ce qui n'a pas été du gout de tout le monde. Est-ce comme ça qu'on vend des disques en 2014 ? On diffuse aux médias une information simple et « choc » en attendant que le buzz fasse son effet ? Que U2 et Daft Punk jouent le jeu, on le comprend assez facilement puisqu'ils sont dans de grosses maisons de disques et que cette technique de marketing agressif a de bonnes raisons d'y avoir une place. Mais quand les « labels indépendants » s'y mettent, c'est décevant. Ils se retrouvent à défendre – volontairement ou non – le fameux adage : « Faites ce que je dis, pas ce que je fais ».

Tout ça me donne le sentiment d'être face à un vrai choc culturel. D'un côté, Aphex Twin resté en marge des années 90-2000, celui qui prend son temps pour faire de la musique, qui tourne les médias en bourrique, qui joue complètement de l'image qu'il renvoie (et qui s'en fout probablement pas mal), qui vit sa vie tranquillement et fait ce qu'il aime. De l'autre côté, le label Warp, perché en 2014 voire 2015, qui se doit d'aller plus vite que les autres pour dénicher les meilleurs artistes avant les autres, commencer à faire le buzz et vendre de la musique (très cher en l'occurrence).

Ce choc est assez douloureux car il impose un rythme à la création, à la diffusion et à l'écoute. Si on suit la dynamique des buzz, on écoutera l'album jusqu'à ce qu'un autre buzz apparaisse, etc. En un sens, il faut créer de la musique vite et tout donner maintenant car demain, ça sera trop tard.

La prochaine fois Richard, sors ton album en solo et mets le simplement sur internet. Tu n'as pas besoin d'un buzz.

Radian

Silvan — 2014-03-13T07:30:58Z

Puisque j'avais commencé par parler de percussioniste ici, je continue mes histoires autour de Martin Brandlmayr et d'un de ses projets les plus « rock » : Radian.

Trio fondé en 1996 à Vienne, Radian est aujourd'hui composé de Martin Brandlmayr (batterie, percussions et machines), John Norman à la basse et Martin Siewert à la guitare et aux effets (arrivé en 2011 suite au départ de Stefan Németh en 2011).

Leur page Wikipedia précise que leur musique touche à l'instrumental rock, au post-rock, au jazz, à l'electronica et à certaines structures de l'IDM (Intelligent Dance Music).
Ces appellations signifient qu'ils utilisent les instruments classiques du rock avec une batterie d'effets et d'outils de modification en temps réel, qu'ils s'écoutent comme des musiciens de jazz et qu'ils construisent leur musique de manière très précise. En définitive, ça les conduit à créer une musique à la fois sensible, fine, pleine de détails, brute, sale et brutale.

C'est bien gentil tout ça, mais ça ne nous donne rien à écouter ! Malheureusement, ils ont assez peu de productions à leur actif. Compte tenu de leur faible notoriété, je n'ai d'ailleurs pu écouter que leurs deux derniers albums Juxtaposition (2004) et Chimeric (2009) – sortis sous le label Thrill Jockey avant le départ de Stefan Németh. Ils sont tout bonnement excellents et je les recommande vivement.

En voici deux extraits :

"Rapid Eye Movement" extrait de Juxtaposition (2004) :

"Kinetakt" extrait de Chimeric (2009) :

Après ces écoutes, on pourrait être sceptique et se dire que c'est le genre de truc qui est un peu plat en concert (où il n'y a pas de post-prod, moins d'effets, etc.) Ok, détrompez-vous, en live c'est encore mieux.

Deux solutions pour en juger par soi-même :

– La première est de suivre ce lien, de regarder la liste située sous la vidéo et de cliquer sur « radian - Abstrakt-Rocker (EBU) » (je vous invite, d'ailleurs, à regarder la suite avec Mats Gustafsson qui est vraiment géniale). Désolé pour ce player, je n'ai pas trouvé de meilleur moyen d'incruster la vidéo.

– La seconde solution est de venir les voir directement au festival Sonic Protest le vendredi 4 avril, si vous êtes sur Paris à ce moment là, ou de se rendre sur leur site internet pour connaître leurs autres dates.

Pour finir sur un truc rigolo et surprenant, vous pouvez trouver ici une petite sonnerie de téléphone composée par Radian. Elle vaut le détour !

Hanz - A Made Bear At Peace

DrNoze — 2013-05-07T09:36:11Z

Hanz, alias Brandon Juhans, construit une musique électronique à la croisées des genres. Entre hip-hop et IDM le producteur distille une ambiance poisseuse et opaque sur des beats low tempo légèrement bancales et dont la régularité se retrouve parfois cassée par des breaks sauvages et des samples mal posés. Loin d'être malmené par ces cassures, le feeling mélancolique qui en ressort fait qu'on s'y sent plutôt bien et l'ensemble reste plutôt douillet. Comme un vieux rocking-chair, légèrement grinçant, mais chargé de souvenirs.

– Téléchargez gratuitement l'album A Made Bear At Peace.

A Made Bear At Peace by Hanz

– Également Reducer son excellent dernier single, à la basse très cold wave, qui vient de sortir.

Reducer (Single) by Hanz

Poland - Sea Woof

DrNoze — 2013-04-16T11:48:04Z

Holly McNaught est une plasticienne australienne qui, parmi ses différents projets (volumes, photographies, collages, films), fait de la musique sous le nom de Poland.

Après un excellent EP simplement nommé Poland la jeune artiste sort en 2011 un premier album à la pochette d'inspiration #seapunk et intitulé Sea Woof sur le label Pocketclock.

Sea Woof propose une musique électronique sensible, pop et exigeante, parfaite pour vos méditations aquatiques quotidiennes.

– On peut trouver la musique de Poland en téléchargement gratuit sur Free Music Archives.

Autechre : Exai

DrNoze — 2013-03-28T00:00:02Z

En 2013, Exai, le dernier album d'Autechre nous prouve une fois de plus, après la sortie de l'excellent Oversteps en 2010, que décidément la musique du duo de Sheffield n'a pas pris une ride. Contrairement à celle d'autres piliers de l'IDM warpienne des années 90 comme Aphex Twin ou Squarepusher dont la musique parait aujourd'hui relativement datée et vieillote.

En 2013 donc, soit 20 ans exactement après la sortie de Incunabula, Autechre fait en quelque sorte toujours la même musique, une musique par les machines et pour les machines. Et cette musique, aujourd'hui, sonne toujours de manière aussi moderne et novatrice qu'en 1993.

La musique d'Autechre est une musique instable qui semble constamment au bord du déséquilibre, que ce soit au niveau des textures, des rythmiques ou des mélodies. Sans structure à première vue évidente et composée d'une multitude d'éléments disparates, elle peut sembler au premier abord trop abstraite, froide et mécanique.

Faites de blips, de bugs, de rythmiques malmenées et concassées, de nappes synthétiques et anorexiques, la musique de Rob Brown et Sean Booth parvient a toujours garder, chose difficile, un equilibre presque parfait entre expérimentation bruitiste et musicalité. Cette musicalité, loin de tomber dans la ritournelle facile, reste cependant aux limites de l'abstraction, uniquement constituée de lourds grincements, de petits glitches et de nappes à priori peu amènes.

C'est une musique qui met du temps à se donner complètement à l'auditeur. Il faut souvent plusieurs écoutes pour apprendre a apprécier chaque morceau et en comprendre les rouages. Petit à petit, chaque son, chaque grincement, semble prendre sa place dans un ensemble qui dévoile peu à peu sa logique et s'avère au final plutôt chaleureux et particulièrement sensible.

Exai, malgré sa longueur que certains déplorent, 2h30 en 2 cd ou 4 vinyls, est donc un évènement, tout comme chaque sortie du groupe, qui restera certainement, à l'heure des comptes, comme l'un des acteurs les plus importants de la scène électronique.