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Tonnerre Mécanique - EIXA LAG

DrNoze — 2015-09-10T15:25:03Z

La musique de Tonnerre Mécanique fait honneur au patronyme du trio marseillais. De tonnerre et de mécanique il est, en effet, bien question ici. L'album, sorti en vinyl en 2012 peut toujours se dégotter, avec sa pochette sérigraphiée par le Dernier Cri, sur le site de Boom Boom Rikordz.

Goutez cette vidéo réalisée (par nos soins) uniquement à partir de films de vacances à Marseille, trouvés sur Youtube et consorts.

– Vous pouvez écouter l'album complet par ici

Dareda : Eilian Buluesu

DrNoze — 2015-09-09T13:38:48Z

Nous avons posé quelques questions au duo de Dareda à l'occasion de la sortie de Eilian Buluesu, son premier projet.

Noise, rock, jazz ou electro, la musique improvisée du duo marseillais navigue entre les genres. Bouillonnante et tumultueuse (Gingayakuza), la musique de Dareda peut aussi se faire plus caressante et prendre des accents rétro (Aru Hito).

À l'occasion de la sortie de Eilian Buluesu, leur démo sur Bandcamp, nous leur avons posé quelques questions sur leurs influences et leur manière de travailler. Damien, le batteur épileptique, et Masahiko, le globe-trotter aux synthétiseurs, ont bien voulu nous répondre.

– Écouter et télécharger Eilian Buluesu.

Eilian Buluesu (Demo) by Dareda

Entretien

D'où vient le nom Dareda ?

– Masahiko (synthés) : C'est une interjection en japonais.

– Damien (batterie) : C'est le nom d'une ville en Tanzanie.

Quel est votre parcours à chacun ?

– D : J'ai monté quelques formations "post punk" à Caen et à Marseille, mon dernier groupe s'appelait Tonnerre Mécanique. Je joue aussi du jazz depuis quelques années.

– M : J'ai joué dans différents groupes jazz et rock au Japon tout en étant influencé par l'improvisation. J'ai ensuite vécu à Berlin où j'ai pu avoir une grande expérience de la musique improvisée.

Comment vous êtes vous rencontré ?

– M : Après m'être installé à Marseille, j'ai cherché à jouer avec un batteur punk-rock car il m'a semblé que ça correspondait bien à l'énergie qui émanait de Marseille, j'avais déjà le souhait de jouer en duo.

– D : Il faut dire qu'on se rencontre facilement dans le scène indépendante marseillaise car les lieux où l'on peut jouer sont très restreints. En fait on a d'abord joué ensemble dans la rue en interprétant des musiques traditionnelles du monde, Masahiko jouait de la clarinette basse et moi sur une caisse claire accrochée en bandoulière.

Quel a été l'intention de Dareda ?

– M : J'ai toujours la démarche d'exprimer musicalement le climat de l'endroit où j'habite...

– D : Je n'avais jamais eu une formation en duo ni joué avec un clavier, donc chercher à sonner comme un groupe sans utiliser de boucles ou de parties préenregistrées et en évitant la surenchère technique, c'était une perspective alléchante.

On sent plein d'influences différentes dans votre musique, du rock, du punk au hardcore, mais aussi du jazz tendance free, et même parfois des couleurs soul avec des sonorités genre Orgue Hammond.

– D : Oui c'est vraiment spontané, tous les deux on aime jouer sur différents registres. Bien sûr ce qui est important c'est la manière dont on daredaïse tout ça. (rires !)

– M : J'ai du respect pour tous les genres musicaux et j'aime la variété des sons de claviers, donc pour moi il est naturel de me servir de tout cela. Cependant à travers mes choix je suis aussi soucieux de l'histoire musicale qu'ils représentent.

Votre musique est en partie improvisée. Comment composez-vous ? Comment se passe une session d'enregistrement de Dareda ?

– M : Je dirais que toutes les idées viennent de l'improvisation ou de nos répétitions, après cela je cherche à garder ce feeling de l'improvisation à travers la composition.

– D : Il y a la volonté de composer un morceau en laissant une place de liberté dans l'interprétation.

Pouvez-vous me citer, chacun, vos 5 disques de chevets ?

– D : Allons-y ! Songs Of Leonard Cohen, Out to Lunch : Eric Dolphy, Come on Pilgrim : Pixies, Tago Mago : Can et Knnillssonn d'Harry Nilsson.

– M : Anthony Braxton : Charlie Parker Project 1993, Chalie Haden : Liberation Music Orchestra, Emerson Lake and Parmer : PICTURES AT AN EXHIBITION, Lindsay Cooper : Oh Moscow, Carl Craig's Innerzone Orchestra : Programmed.

Quels sont vos projets d'avenir pour Dareda ?

– D : Jouer ! Il est question d'une virée au Japon en début d'année prochaine.

– M : Dans le futur je souhaiterais chanter et faire chanter Damien (rires !)

On attends ça avec impatience ! Merci à vous deux.

Radian

Silvan — 2014-03-13T07:30:58Z

Puisque j'avais commencé par parler de percussioniste ici, je continue mes histoires autour de Martin Brandlmayr et d'un de ses projets les plus « rock » : Radian.

Trio fondé en 1996 à Vienne, Radian est aujourd'hui composé de Martin Brandlmayr (batterie, percussions et machines), John Norman à la basse et Martin Siewert à la guitare et aux effets (arrivé en 2011 suite au départ de Stefan Németh en 2011).

Leur page Wikipedia précise que leur musique touche à l'instrumental rock, au post-rock, au jazz, à l'electronica et à certaines structures de l'IDM (Intelligent Dance Music).
Ces appellations signifient qu'ils utilisent les instruments classiques du rock avec une batterie d'effets et d'outils de modification en temps réel, qu'ils s'écoutent comme des musiciens de jazz et qu'ils construisent leur musique de manière très précise. En définitive, ça les conduit à créer une musique à la fois sensible, fine, pleine de détails, brute, sale et brutale.

C'est bien gentil tout ça, mais ça ne nous donne rien à écouter ! Malheureusement, ils ont assez peu de productions à leur actif. Compte tenu de leur faible notoriété, je n'ai d'ailleurs pu écouter que leurs deux derniers albums Juxtaposition (2004) et Chimeric (2009) – sortis sous le label Thrill Jockey avant le départ de Stefan Németh. Ils sont tout bonnement excellents et je les recommande vivement.

En voici deux extraits :

"Rapid Eye Movement" extrait de Juxtaposition (2004) :

"Kinetakt" extrait de Chimeric (2009) :

Après ces écoutes, on pourrait être sceptique et se dire que c'est le genre de truc qui est un peu plat en concert (où il n'y a pas de post-prod, moins d'effets, etc.) Ok, détrompez-vous, en live c'est encore mieux.

Deux solutions pour en juger par soi-même :

– La première est de suivre ce lien, de regarder la liste située sous la vidéo et de cliquer sur « radian - Abstrakt-Rocker (EBU) » (je vous invite, d'ailleurs, à regarder la suite avec Mats Gustafsson qui est vraiment géniale). Désolé pour ce player, je n'ai pas trouvé de meilleur moyen d'incruster la vidéo.

– La seconde solution est de venir les voir directement au festival Sonic Protest le vendredi 4 avril, si vous êtes sur Paris à ce moment là, ou de se rendre sur leur site internet pour connaître leurs autres dates.

Pour finir sur un truc rigolo et surprenant, vous pouvez trouver ici une petite sonnerie de téléphone composée par Radian. Elle vaut le détour !

Staer (st)

daamien — 2013-09-13T17:40:20Z

Le debut album des norvégiens de Staer est sorti en 2011 mais vinylisé un an plus tard grâce au lyonnais de Gaffer Record.

Il faudrait rappeler que la scène noise norvégienne s'était déjà brillamment illustrée au travers de groupes radicaux tels que Noxagt, Ultralyd, ou bien les sidérants MoHa ! dont les shows bruits & lumières ont du terrasser plus d'un malheureux épileptique.

Ici on nous sert donc 7 titres instrumentaux malades d'un pseudo prog rock nourrit au hardcore. L'ambiance est lourde et moite, volontièrement atonale et syncopée parfois par quelques blasts. Les rythmes tribaux du batteur sont savants et rigides (mi jazzy, mi indus !), ils cadrent les riffs démoniaques du guitariste finement enrichis par un bonne dizaine de pédales d'effets.

Ils jeunes, ils sont trois et promis à un brillant avenir de terrorisme psychédélique, ne les manquez pas lors de leur prochaine tournée (même si l'album suivant déçoit un peu...) !

– Site du groupe ici
– En écoute ici...

Sicopat

Yann — 2013-02-08T14:45:09Z

S'il était né aux USA, il aurait tout de suite trouvé sa place dans notre dossier "Les zinzins d'Amérique"…

Il fallait que je vous en parle un jour… Sicopat, c'est Doctor Jekyll and Mister Hyde : professeur d'anglais à la ville, le bonhomme a, dans la charmante ville de L'Aigle dans l'Orne où j'ai grandi, éveillé bien des vocations… Ainsi, c'est son premier groupe IO !, où il occupait déjà le poste de chanteur, qui nous inspira moi et mes frères d'armes du groupe Amibe (dans lequel j'étais aussi chanteur. Certains membres historiques d'Amibe ont persévéré et mène une carrière qui s'annonce brillante au sein de BOW LOW). Après le délitement de IO !, dont la line-up a beaucoup évolué au fil des années, et après la formation de groupes éphémères, l'indéboulonnable Patrick D. continue contre vents et marées à faire entendre sa voix dans les bars et salles de spectacle du coin, en marge de l'industrie musicale, plus soucieux de communier le temps d'une soirée avec le public que de vendre des disques. Vous pourrez le trouver "provincial" dans le plus mauvais sens du terme, à côté de la plaque, naïf (et sans doute faut-il l'être dans une certaine mesure pour faire preuve d'autant d'obstination) : soyez sûrs qu'il n'en a rien à cirer, et qu'il continuera son truc jusqu'au dernier souffle. Patrick : merci.

Voir en ligne : Son site perso

Captain Beefheart & his Magic Band (1965-1982)

daamien — 2012-08-22T12:55:39Z

"I'm doing a non-hypnotic music to break up the catatonic state"

Ce documentaire ravira les intéressés, il est de plus narré par John Peel (et récupéré sur Utub en espérant qu'il ne sera pas vite effacé).

Sont (entre autres) interviewés Lord Beefheart himself (Don Van Vliet) le génial dictateur de ce groupe aux musiciens changeants, Frank Zappa son vieil ami, Matt Groening (pour attirer le chaland), Ry Cooder (présent sur le premier album Safe as Milk, il a seulement 19 ans) et ses autres pauvres musiciens esclaves (nourris de fouets et d'eau fraiche)...

Art Abrupt
On y parle évidemment de Trout Mask Replica, le plus faDadabuleux album rock+blues+free jazz de tous les temps (pour autant on ne vous cachera pas que les morceaux de cet enregistrement ne sont pas plus engageant pour le néophyte qu'un bouquin de Joyce ou de Burroughs...)

Avec en décors de cette aventure l'hypnotisant désert de Mojave et les chouettes peintures de Don Van Vliet (voir plus bas).

Feather times a feather

Sunset

China Pig

Skullflower

Yann — 2012-05-30T14:05:22Z

Skullflower fait partie de ces groupes qui, dans les années 90, semblent nous avoir servi la même soupe d'album en album, de morceau en morceau… Pas de demie mesure : soit vous zapperez au bout de 30 secondes en pensant "c'est quoi cette merde ?", soit, éventuellement psychotropes aidants, vous vous laisserez emporter par la transe de Skullflower…

Mené par l'infatigable expérimentateur britannique Matthew Bower, homme aux multiples projets et menant une carrière solo sous son nom propre ou celui de Total, Skullflower est un peu à la musique psychédélique ce que Charles Manson est au mouvement hippie : sa face obscur. Alors que l'Angleterre du début des années 80 découvre les possibilités, pas toujours probantes, du synthé, Skullflower reste attaché aux bonnes vieilles batteries et guitares et compose un stoner dont l'écoute relève de l'exercice de contrition spirituelle. Mais si vous allez jusqu'au bout, vous connaîtrez la grâce. Guitares fortement réverbérées et agrémentées d'autres effets atmosphériques, batterie ralentie qui se casse surtout pas trop le cul, Bower qui psalmodie comme un aliéné… On est en plein rituel satanique, ambiance Lucifer Rising de Kenneth Anger. Pour vous parler franchement je n'ai écouté pour le moment que trois albums du groupe (Birthdeath, 1988, Broken Flag ; Ruins, 1990, Shock ; Xaman, 1990, Shock), mais ils ont suffit à bien m'éprouver mentalement… A petites doses, donc.

Voir en ligne : Trois albums à télécharger sur Trippy Jam

Us Maple (1995-2007)

daamien — 2012-03-13T12:28:26Z

Peu de récents groupes « rock » peuvent se targuer d' être originaux et excitants, surtout que l'étiquette art-rock fait souvent figure de repoussoir dans ce milieu où le cliché est roi. Heureusement pour nous, snobs en herbes, de temps à autres quelques olibrius retrouvent avec joie dans la pratique de leur instrument la véritable signification du mot "jouer". Un jeu qu'Us Maple livre aussi avec les postures de la culture rock, tout en y intègrant brillamment un feeling free jazz (comme le fera plus tard le trio guitares/batterie Storm and Stress).

Who's Who ?

Mark Shippy (guitare) et Al Johnson (chanteur) jouaient déjà ensemble dans le groupe punk rock Shorty, qui naviguait sans surprise dans un esprit « Jesus Lizard-esque ». Après le split de Shorty, ils rencontrent Pat Samson (batteur) et Todd Rittmann (guitariste) : ainsi naquit le groupe U.S. Maple en 1995 à Chicago, terre bénite du noise-rock.

Avant même de jouer, ces petits coquins s' étaient déjà entendu à réagencer la musique d' Elvis à leur manière, en façonnant leurs propres méthodes de composition (citons pour l'exemple ce passage du documentaire de Tony Ciarrocchi [1] où l'on découvre que Al utilise dans son carnet de parole des signes circulaires pleins ou vides, afin qu'il se rappelle comment il doit prononcer chaque syllabe).

Skingraft le défricheur

Impressionné par leurs premières élucubrations (dont une reprise d' AC/DC !), le jeune label Skin Graft [2] décide de sortir le single Stuck ainsi que leur premier album Long Hair in Three Stages.

Un vidéoclip est même réalisé pour le single, mais ne vous attendez pas à un spectacle épileptique et fashion car on a en fait droit à une parodie du clip déjà ridiculissime des australiens de Beasts of Bourbon (qui reprenaient à leur compte "Cool Fire").

Le radical Sang Phat Editor

Si ce premier album produit par Jim O' Rourke ne manque pas de qualité et d' ingénuité, bien que se plaçant avec un peu trop d' évidence dans le sillon des groupes indie post Sonic Youth, c' est plutôt avec leur second opus Sang Phat Editor que le groupe va définitivement larguer les amarres en imposant sans complexe son impayable personnalité retorse.

Voilà pourquoi à la première écoute le pauvre auditeur non averti pourrait conclure à un parfait foutage de gueule tant ce qu' on y entend parait déconstruit et auto-référencé : on est en effet précipité au coeur d' une fièvre chaotique proche de l'implosion où des guitares rebelles, en l'absence de basse et de rythmes « carrés » crépitent, patinent, bouillonnent...

Paradoxalement on est aussi frappé par la retenue, l'élégance et la sensibilité de l'exécution (doit-on ajouter que le distingué Todd a l'habitude de jouer en public avec un superbe foulard autour du cou...).
Cette longue jam punk ésotérique qui laisserait jaillir discrètement des bribes de mélodies en forme de clins d' oeil à l'histoire du pop rock est pourtant le fruit d' un long travail de composition (écoutez les lives pour vous en convaincre !).

Leurs turpitudes qui rappelleront sans doute aux vieux briscards les dézingages blues du Capitaine Beefheart, voir les sauvages happenings des New yorkais de Mars ou de DNA, évoquent aussi les guitares entrelacées des plus contemporains Polvo...

L'apport du jeu de Pat, riche en respirations et nourrit de buzz roll jazzifiants est incontestable, aussi déterminant que fut celui de Tony Williams sur le mythique Out to Lunch !.

Les paroles psychédéliques (dans une tradition poético-hermétique toute beatlesienne) de Al, fréquemment ponctuées de « yeahhh » lascifs, ajoutent en étrangeté mais révèlent aussi l'humour particulier du groupe.

On relèreva aussi que la cover art camouflage fluo est réalisée par Walter Weasel, le capitaine en chef du combo grind progressif The Flying Luttenbachers.

Le sombre Talker

Cédant aux avances du discret mais influent Jim O' Rourke, le groupe quitte Skingraft pour Dragcity et enregistre en 1999 Talker avec Michael Gira le leader des Swans (vous savez, cet implacable groupe punk indus qui séduit sûrement ses fans par son absence total de second degré).

Et ce Talker est une franche réussite, moins brut que son prédécesseur mais tout aussi mystérieux, voire inquiétant, sans doute l'influence démoniaque de Gira qui déteindra jusque dans la noire pochette de l'album...

Bien fait/ Mal fait ?

Deux albums, directement dans la lignée des précédants, se succèderont mais l'effet de surprise estompé ainsi que l'inévitable « professionnalisation » du groupe les rendra plus dispensables : « Acre Thrills » et enfin « Purple on Time », où Pat est remplacé par Adam Vida.

On trouvera sur ce dernier une très belle reprise de Bob Dylan « Lay Lady Lay » qui concluera magnifiquement cette histoire.

[1] Ce précieux documentaire de Hardeye Films nous montre l'intimité d' un groupe confiant et studieux durant l'enregistrement de Acre Thrills. On peut y observer le processus de composition d' un album ainsi qu' entendre les membres du groupe s' expliquer sur la manière dont ils travaillent.

[2] Un dessinateur de comics éclairé et amateur de noise rock crée ce label en 1991 rien que pour promouvoir les fantastiques Dazzling Killmen. Avec Melt Banana, les Ruins et Arab on Radar, Skin Graft Records deviendra vite le label phare d' un avant rock que certains nommeront « now wave » en référence au mouvement new yorkais de 1980. Les mauvaises langues déploreront la moindre qualité des récentes signatures dont les formations semblent grossièrement plagier leurs prestigieux aînés.

CHARLES MINGUS, un portrait de Thomas Reichman

DrNoze — 2012-03-09T15:41:31Z

En 1968, Thomas Reichman réalise un excellent documentaire sur le célèbre musicien Charlie Mingus. Le film se présente sous la forme d'un portrait intimiste de l'artiste avec de longs entretiens chez lui entrecoupés d'extraits de concerts. Tout au long du film, le contrebassiste attends, en compagnie de sa petite fille de 5 ans et de la caméra de Reichman que l'on vienne l'expulser de son loft new-yorkais qu'il ne peut plus se permettre de payer, et l'ancien pimp en profite pour rappeler, fusil à la main, sa fascination pour la morale de la rue. On y parle de musique, mais aussi de politique et des questions raciales qui agitaient l'Amérique des 60's.

Le documentaire se termine sur l'expulsion de son appartement d'un des artistes les plus importants du 20ème siècle, par les forces de l'ordre.

“Charles Mingus”, Réal. Thomas Reichman (58min, 1968)

– Lire la review faite à l'époque par le New York Times.

Pharoah Sanders - Thembi

DrNoze — 2012-02-14T10:38:56Z

Pharoah Sanders, né Farrell Sanders, est un saxophoniste ténor et multi-instrumentiste, qui participa, au cours des années 60 à l'élaboration du New Thing, ce nouveau truc qu'on appelera plus tard Free-Jazz (en référence à l'album éponyme de Albert Ayler). Très versatile, Pharoah Sanders est capable de nous réchauffer avec ses "douceurs orientales" mais aussi de sortir les sons les plus crus et violents de son instrument.

Au début des 60's il se produit avec le Sun Ra Arkestra, où il reçoit le surnom de Pharoah. Puis en 1965 il se rapproche de John Coltrane avec lequel il jouera à plusieurs reprises, notamment sur ses oeuvres les plus free, comme par exemple le mystique et furieux Om. À cette période, le travail de Coltrane, autant artistique que politique et spirituel, est incompris par le public, qui après l'avoir encensé, fuit ses concerts, mais aussi par la critique, qui le descend purement et simplement. Une période difficile, mais également hautement créative, qui influencera fortement le travail de Sanders par la suite.

À la mort de Trane, il jouera avec Alice Coltrane ou Don Cherry mais il développera surtout son propre projet. Dans les pas de Coltrane, Sanders élaborera dans ses albums Tauhid, Karma ou Thembi, un Free-Jazz spirituel basé sur des archétypes de rythmes africains agrémenté de techniques orientales. Pharoah Sanders est ainsi considéré comme étant à l'origine de ce qu'on appellera "Nubian Space Jazz" ou Ethno-Jazz.

En 1971 il sort donc l'album Thembi, terriblement 70's. Pharoah Sanders y délivre un Free-Jazz accessible, lyrique et flamboyant, chargé de soleil, d'espoir et de colère.

Pharoah Sanders - Astral Travelling