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The Birth of Rock and Roll

Nicolas P. — 2015-05-29T06:51:49Z

The Birth of Rock and Roll est une sélection de photos tirées de la collection de Jim Linderman. Ce dernier n'est pas l'auteur des images, collectées à l'origine, dit-il, afin de raconter une histoire qu'il voyait durer mille ans. Dans sa préface au livre, il constate que cette histoire a finalement duré bien moins longtemps… « We think our lifetimes last long time. They do not. » Malignement il explique ainsi le contenu de son recueil. Ensembles, les 134 photos racontent moins une histoire qu'elles ne témoignent d'un moment, cet instant qui semble n'avoir duré qu'une seconde, où d'un capharnaüm d'influences et de cultures, est né le Rock and Roll.

Evidemment, cet accouchement a en réalité duré plusieurs années. Mais avec son empilement chaotique de photos vierges de légende, la mise en page de Martin Venezki brise la temporalité et la linéarité de cette naissance, et par la même occasion celles de ses origines. Le Rock and Roll est-il une musique de Noirs ou de Blancs ? De vieux ou de jeunes ? De club ou de salon ? Découlant du Blues ou de la Country ? Acoustiques ou électrique ? Urbaine ou rurale ? Née dans les années 30, 40 ou 50 ? Ce que semble vouloir nous dire The Birth of Rock and Roll, c'est qu'il est un peu tout ça à la fois. Et en entrecoupant les clichés d'orchestres et de danseurs, avec des documents rappelant le contexte ségrégationniste, il insiste sur ce côté miraculeux du Rock and Roll, musique métisse née sous les lois Jim Crow, où des cultures se mélangent sans que les hommes ne se rencontrent.

L'ouvrage se conclue avec un entretien mené par Joe Bonomo, où Jim Linderman raconte et explique sa passion pour les collections en tout genre, et en particulier pour ce qui documente les religions, la pop culture et les subcultures américaines. Il est possible d'avoir un aperçu de tout ce qui encombre l'esprit (et l'appartement) du monsieur sur les blogs qu'il tient sur internet (Dull Tool Dim Bulb et Old Time Religion)

The Birth of Rock and Roll est édité par Dust-To-Digital, maison d'édition indépendante habituée des objets livresques et musicaux léchés qui titillent à tous les coups le passionné de musique. Avec son absence de légende et son peu de mise en contexte, The Birth of est par contre peu accessible aux néophytes. Ces derniers peuvent toujours se contenter de la playlist faites par l'éditeur et les auteurs pour accompagner la sortie du livre :

Les photographies sont tirées du site de Martin Venezky.

Johnnie B. Smith

DrNoze — 2015-05-11T07:25:39Z

Un des derniers enregistrements de chants de travail de prisonniers noirs américains refait surface grâce au label Dust-to-Digital.

En 1933, Alan Lomax et son fils John, ont été les premiers a enregistrer ces chants de travail, en allant à la rencontre des prisonniers dans les équipes de constructions des routes ou les groupes de travailleurs agricoles. Les pénitenciers du sud des États-Unis recréaient alors la brutalité des plantations esclavagistes. Sous la surveillance d'hommes blancs armés, des équipes de prisonniers, noirs pour la plupart, travaillaient de force et pour presque rien, dans les champs de cotons ou sur les routes.

En 1965 et 1966, le folkloriste Bruce Jackson fut, avec William Ferris, un des derniers à enregistrer ces chants. Il visita par deux fois la prison de Ramsey State Farm dans le Texas, où il rencontra le "song leader" Johnnie B. Smith, prisonnier numéro 130196. Agé de 46 ans, Smitty y purgeait alors sa peine, 45 ans pour meurtre.

La fonction de "song leader" nécessitait des compétences de chant, de composition et d'écriture, mais également un sens de l'improvisation et une constitution physique capable de maintenir une rythmique, un chant et des paroles capables de motiver les travailleurs, pendant de longues heures sous l'écrasant soleil du Texas.

Les enregistrements de Bruce Jackson témoignent bien de cela. Les morceaux, tous a cappella, semblent sans fin, certains dépassent les 20 minutes, et s'enchainent pour n'être plus qu'une seule et interminable mélopée.

Un premier album de Johnnie B. Smith contenant 6 titres, était sorti en 1965 sous le titre Ever Since I Have Been A Man Full Grown.

Le label Dust-to-Digital, comme son nom l'indique, est un label américain, basé à Atlanta et spécialisé dans la ré-édition d'enregistrements poussiéreux de musiques folkloriques d'Amérique (ou d'ailleurs).

Dust-to-Digital reprendra 3 titres parmi les 18 que l'on peut écouter dans No More Good Time in the World for Me, le double CD que le label vient de sortir et que l'on peut télécharger ici.

No More Good Time in the World for Me by J.B. Smith

Le label avait déjà précédemment ré-édité Sorrow Come Pass Me Around, une excellente compilation de musique religieuse rurale noire américaine, initialement parue en 1975. S'éloignant un peu (mais pas tellement) de sa mission première, le label s'occupe également des albums de l'étonnant Lonnie Holley, dont on vous parlait déjà ici.

Les "work chants" de Johnnie B. Smith, sont parmi les derniers témoignages d'une culture qui remonte à l'esclavage, et témoigne d'un patrimoine universel dans lequel prend sa source une grande partie de la musique populaire d'aujourd'hui. Le rock n' roll, la soul et le rap ont tous des racines enfouies dans la terre des champs de coton du sud des États-Unis.

FRANCE

Yann — 2014-11-06T10:21:54Z

Quand on parle musique folklorique en France, ça sent tout de suite un peu le moisi... En dehors des fest-noz bretons et autre festivals "tradis" qui laissent des cultures locales telles que cryogénisées dans le passé, point de salut. Les membres du collectif La Nòvia, qui rassemble des musiciens, artistes visuels et sonores, ne l'entendent pas de cette oreille...

Les membres du collectif dont France est un peu le groupe phare (mais qui demeure à géométrie variable) partent d'un constat simple : alors qu'en Afrique, en Amérique Latine, en Inde, en Asie, des musiciens d'avant-garde revisitent la tradition dans une veine expérimentale (je vous renvoie à l'excellent catalogue du label Syrphe), mêlant aux sonorités issues d'un lointain passé des sons électroniques, pourquoi pas en France ?

Venus de régions françaises où le folklore est encore très vivant, les membres du collectif entretiennent un rapport décomplexé avec la tradition, ce mot qui fait peur, et regardent du côté de Terry Riley, Tony Conrad et autres sources insoupçonnables pour redonner du souffle à la vielle à roue, au béchonnet (une sorte de cornemuse, semble-t-il), au violon, au banjo, et j'en passe de plus exotiques. C'est sûr : c'est un peu plus excitant que Bézu, Les Musclés ou Patrick Sébastien. Vu le nombre de concerts enchaînés depuis 2004, et si d'autres jeunes gens en France se sentent inspirés, Paris va très très vite devenir très très ringard...

Une démo de vielle motorisée et une interview de Yann Gourdon :

Un fort beau morceau accompagné de bien belles images :

Voir en ligne : Le site du collectif La Novia

Lonnie Holley

Yann — 2014-10-30T20:48:39Z

De Lonnie Holley on pourrait dire comme dans la presse spécialisée qu'il est un "artiste pluridisciplinaire". Mais pour ce bricoleur et musicien, les choses ne se posent certainement pas en ces termes. C'est sans même savoir ce que signifiait le mot "art" que l'homme issue d'une famille de 27 (!) enfants a commencé, à partir de 1979, à construire un monde de formes et de sons. Appelez ça "art" ou même "art contemporain" si vous voulez.

Cette première partie, consacrée à la partie plastique de l'oeuvre de Lonnie, s'appuie largement sur la notice Wikipedia en anglais qui lui est consacrée.

C'est pour une occasion bien particulière, pas très rigolote, que l'homme sculpte ses premières oeuvres : des pierres tombales pour les deux jeunes enfants de sa soeur, morts dans un incendie. Alors qu'un pompier venu éteindre un feu chez lui (décidément, Lonnie et les incendies, c'est une longue histoire : est-ce là un hasard ?) lui demande en voyant les tombes "qui est l'artiste ?", Lonnie prend conscience que lui, l'homme vivant de petits boulots dans l'Alabama, est un artiste. Encouragé dans sa démarche, il va sculpter, assembler, transformer des objets de récupération, faisant de son lieu de vie un environnement, à la manière du Merzbau de Kurt Scwitters ou du Palais Idéal du Facteur Cheval.

En 1981, il va au Birmingham Museum of Art avec des sculptures en grès sous le bras : le directeur Richard Murray les expose immédiatement. Il faut dire ici qu'il y a aux Etats-Unis une véritable tradition de reconnaissance, de conservation et de mise en valeur des "outsider artists", l'équivalent de nos "artistes bruts", qui n'a pas vraiment d'équivalent en France. Henry Darger occupe par exemple une place de choix au American Folk Art Museum à New York. Il intégrera d'autres collections par la suite et sera régulièrement exposé, jusqu'à la rétrospective qui lui est consacrée au Birmingham Museum of Art en 2003, rendant compte de 25 ans d'activité. Les ateliers qu'il anime pour des enfants sont toujours pour lui un moment privilégié.

En 2010 et 2011, c'est une autre facette de son talent qui se révèle avec l'enregistrement d'un disque, Just Before Music (un titre révélateur d'un fantasme de retour à un état d'avant les origines), suivi en 2013 par Keeping a Record of it. Est-il utile de préciser que c'est de toute beauté ?

Just Before Music by Lonnie Holley

Keeping a Record of It by Lonnie Holley

– Le site personnel de Lonnie Holley
– Un très beau diaporama d'Elijah Gowin

William Ferris : Les Voix du Mississippi

DrNoze — 2014-01-02T15:44:29Z

Photographie, cinéma, enregistrement, écriture, cours d'université, conférences, peu importe le moyen utilisé par Bill Ferris, tant qu'il permet de partager sa passion pour le folklore du sud des États-Unis d'Amérique, et notamment celui de la culture noire-américaine du Mississippi.

Né au fin fond de l'état du Mississippi en 1942, le folkloriste sera témoin, dès l'enfance, de la violence de la ségrégation et ne cessera de la combattre, à sa façon. Au début des années 60 il entreprend pendant deux décennies d'enregistrer, de photographier et de filmer, le long du fleuve Mississippi, la musique, la parole et les acteurs de cette culture afro-américaine locale.

Ainsi, sur les traces de John et Alan Lomax, armé d'un magnétophone, d'un appareil photo et d'une caméra super 8, Bill Ferris se rend dans les "Juke Joints", ces petits bars où se réunissent les membres de la communauté noire pour y boire, danser, jouer et écouter du blues. Il y écoutera les chansons et les "dirty dozens" (concours d'insultes), mais aussi les histoires vraies ou fantasques des bluesmen amateurs. Il se rend également dans les églises pour y enregistrer les spirituals, les sermons enfiévrés et les transes des fidèles. On le verra aussi dans les pénitenciers et les champs de cotons, filmer et enregistrer les "work chants", ces chants fait pour se donner du coeur à l'ouvrage, et descendant directement des chants d'esclaves à l'origine du blues et du gospel (voire de tout un pan de la musique populaire contemporaine).

Les Voix du Mississippi (Give My Poor Heart Ease : Voices of the Mississippi Blues VO) rassemble dans un livre, un CD et un DVD une sélection d'entretiens, de photographie, d'enregistrements et de films réalisés dans ces années. Une bien belle proposition de livre multi-média où chaque support complète à merveille le précédent.

Les éditions Papa Guédé nous proposent ici une très belle version au design plus travaillé que l'édition américaine. Les Voix du Mississippi est leur premier ouvrage et on espère que la suite sera au niveau.

Les Voix du Mississippi trailer :

Ci dessous Give My Poor Heart Ease : Mississippi Delta Bluesmen, un des excellents documentaires de Bill Ferris que l'on retrouvera en version sous-titré dans le DVD :

Luciano Cilio - Dell' Universo Assente

daamien — 2011-03-19T13:28:55Z

Composé à la fin des années 60 et édité presque dix années plus tard, le premier et dernier album de l'italien Luciano Cilio, intitulé "Dialoghi del presente", nous livre avec une grâce insidieuse une musique faussement apaisée, libre et bouleversante. Cet album a été par la suite agrémenté d'inédits et a été réédité sous le nom de Dell' Universo Assente, il est malheureusement apparemment difficile à trouver.

On pourrait décrire cette musique autistique en imaginant qu'elle se dévoile à nous à la manière dont un nourrisson découvre le monde environnant, dans un mélange d'émerveillement et terreur. C'est que tous les morceaux sont joués "sans filets" et semblent émerger d'une intense nécessité.

Une musique unique donc puisqu'éminemment subjective mais aussi capable de hanter l'auditeur dès la première écoute. Son éducation classique n'y étant pas pour rien, c'est lui qui pratique dans cet enregistrement piano, flute, mandoline, basse et guitare acoustique, il est aussi accompagné de musiciens provenant de milieux différents.

Tragiquement, la reconnaissance par ses pairs de son génie musical ne parviendra pas à apaiser son esprit, en 1983 Luciano mettra fin à ses jours à l'âge de 33 ans.

John et Alan Lomax : Afro-American Spirituals

DrNoze — 2010-08-30T11:56:08Z

John Lomax et son fils Alan Lomax, deux musicologues et folkloristes américains des années 30, sillonnaient les routes de cette Amérique rurale, missionnés par la Bibliothèque du Congrès, pour enregistrer, avec un matériel rudimentaire stocké dans le coffre de leur voiture, les restes du folklore local qui allait être balayé par la radio et le disque. Ces enregistrements allaient donner naissance à une série de compilations qui parurent sur le label Rounder Records.

Le materiel des Lomax

Les deux compères auraient, aux cours de leurs voyages, découverts et lancés, Leadbelly,et Woody Guthrie et même, plus tard, Muddy Waters.

John et Alan Lomax, enregistrent ainsi les derniers souffles de la musique des esclaves noirs-américains dont la puissance, l'éclat et l'énergie allaient donner naissance à toute la musique populaire occidentale moderne : Les Afro-American Spirituals.

Des enregistrements souvent a capella, enregistrés le soir sous le porche, dans la salle à manger ou dans les cours des prisons, qui témoignent de la richesse de cette musique au langage codé.

Afro-American Spirituals, Work Songs, and Ballads

Message codé

"Seuls les spirituals offraient aux esclaves la possibilité de rêver. Ils ont mêlé le rythme venu d'Afrique aux cantiques appris des Blancs pour exprimer leur douleur, mais aussi pour exorciser leur condition, voir chanter leur prochaine liberté. Car les spirituals véhiculaient souvent un message codé, allant parfois jusqu'à indiquer les moyens de s'échapper. Bien peu ont été décryptés. Depuis, comme l'avait annoncé Dvorak, ils ont été la principale source d'inspiration des divers courants de la musique américaine, blues, jazz, rock, et jusqu'au rap."

Robert Darden - People Get Ready ! (Via la revue Books)

En 1903, déjà, le poète afro-américain W.E.B. Du Bois écrivait :

"L'Amérique a donné peu de beauté au monde, n'était l'insolente splendeur que Dieu lui-même à apposée en son sein ; dans ce nouveau monde, l'esprit humain a employé, pour s'exprimer, la vigueur et l'ingéniosité plutôt que la beauté. Le hasard a donc voulu que le chant noir traditionnel - le cri rythmique de l'esclave - ne représente pas seulement aujourd'hui l'unique musique américaine existante, mais aussi la plus belle expression de l'expérience humaine vécue de ce côté-ci de l'océan. On l'a ignorée, on l'a à moitié méprisé et, par dessous tout, on l'a sans cesse mal interprétée et mal comprise, mais cela reste néanmoins le seul héritage spirituel du pays et le plus grand apport du peuple noir."

W.E.B. Du Bois (Via la revue Books)

ALELA DIANE, The Pirate's Gospel

DrNoze — 2010-08-30T09:01:24Z

J'ai découvert cet été le premier album de Alela Diane (Nevada City, California), The Pirate's Gospel, sorti en 2007.

Du pure Folk américain, passéiste à souhait et pas "anti" pour un cent : avec uniquement des guitares en bois et des claquements de main, la jolie grenouille de bénitier nous enrobe de son gospel de pirate, minimal à souhait.

On sent qu'il y a eut des années de travail sur ce premier album où tous les morceaux sont des perles, comme bien souvent dans ce cas là, les disques sortis par la suite me paraissent beaucoup plus fades..

Toujours est-il que sa voix, proche de celle d'une Chan Marshall (Catpower) qui aurait délaissé sa dépression, tourne en boucle sur ma platine et tranquillise mon habitat tandis que ma fille de (presque) 2 ans crie "encore !" entre chaque chanson.

Bobb Trimble

Pierlo — 2010-03-03T21:22:08Z

Certains disent de Bobb Trimble qu'il serait né 10 ans trop tard pour avoir le succès mérité qu'il aura raté au début des années 80. On pourrait dire qu'il est même né 20 ans trop tôt et aurait mouché les morveux néo folkeux qui sévissent depuis le début du millénaire.
Quoiqu'il en soit la branchitude 80's cold ou no-wave a balayé et vite enterré cet immense talent qui joue de sa voix de pré pubère en pleine mue et manie les synthés et guitares psychédéliques avec une finesse rare. Il a aussi eu plusieurs projets improbables comme Bobb & The Kidds en 1981, groupe punky garage accompagné de pré ado surexcités.

On doit l'inhumation des 2 perles de l'artiste (Iron Curtain Innocence – 1980 et Harvest of Dreams – 1982) au génial label Secretly Canadian qui a remasterisé et ressorti les 2 LP de Bobb Trimble en 2007.

Il a donné une petite série de concerts confidentiels en 2009 aux USA avec son nouveau groupe The Flying Spiders. La fameuse et excellente radio WFMU lui a rendu hommage en juillet 2009 en l'invitant dans ses studios et met à disposition en mp3 une poignée de morceaux enregistrés pour l'occasion.

Aujourd'hui, Bobby cherche de généreux donateurs pour payer une camionnette pour une tournée potentielle. Pour en profiter pour se faire plaiz, on s'achètera ses LP.

Une petite pépite pour la route et se mettre l'eau à la bouche :

Another Lonely Angel

Iron Curtain Innocence

Voir en ligne : Site officiel de Bobb Trimble

Hamilton Yarns

Yann — 2010-01-27T23:42:50Z

On ne le sait que trop : le Lo-Fi, dans le domaine de l'indie-pop, est souvent synonyme de sensiblerie et de naïveté exagérées. Rien de tout cela avec Hamilton Yarns. Formé à Brighton en 2002 par Iain Paxon, Alistair Strachan et Richard Herring, le groupe s'est élargi avec le temps. Guitare acoustique, instruments à vent, harmonium : à l'aides d'instruments simples, Hamilton Yarns élabore une musique raffinée et plus complexe qu'il n'y paraît, favorisant par le chant la narration de petites histoires — de ce point de vue, le groupe est un peu l'héritier d'Ivor Cutler.

Au-delà de la musique, les prestations d'Hamilton Yarns peuvent prendre la forme de slide shows, du théâtre d'ombre ou du spectacle de marionnettes. Hamilton Yarns se produit dans des lieux inhabituels, se posant en décalage avec l'environnement : ainsi ont-ils été invités à se produire au Camden Art Center ou au Barbican Center à Londres. Depuis sa formation, le groupe a sorti en toute discrétion 9 disques, dont le dernier en date Rising. Les pochettes, graphiquement très intéressantes, sont à l'image de l'originalité de cette musique qui nous introduit à un univers calme, onirique, enfantin.

Rising by Hamilton Yarns

– Le site d'Hamilton Yarns
– Leur Myspace
– Leur Bandcamp