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Amiri Baraka : Why is We Americans

DrNoze — 2014-11-04T13:48:34Z

Amiri Baraka récite une partie de son poème engagé Why is We Americans dans l'émission de télévision de Russell Simmons, Def Poetry Jam.

C'est avec Le Peuple du Blues (Blues People), que sous son vrai nom LeRoi Jones, Amiri Baraka a écrit en 1963, un des livres les plus importants sur la Black Music. Le poète activiste, proche de la Beat Generation (Sa maison d'édition Totem Press publiera les ouvrages de Jack Kerouac et Allen Ginsberg à la fin des années 1950), et du Black Power, y développe la thèse que l'évolution du statut des Afro-américains a trouvé un écho dans les modifications de la musique noire. Sa lecture sociale et politique du blues et du jazz a eu une influence très importante dans le domaine des Popular Music Studies.

Amiri Baraka en 1972

Personnage incontournable de la culture noire américaine, Amiri Baraka nous a quitté au tout début de cette année 2014, le 9 janvier, à l'age de 79 ans.

Sylvain Bertot : Rap, Hip-Hop

DrNoze — 2012-06-23T12:46:58Z

Sylvain Bertot, dont on peut lire les excellents articles sur son blog fakeforreal.net, est l'un des membres fondateurs du site POPnews (où il s'occupe des chroniques hip-hop), et a été le rédacteur en chef des maintenant défunts webzines Nu Skool et Hip Hop Section.

À titre personel je lisais beaucoup le site Hip Hop Section dont les chroniques aux choix très audacieux pour l'époque m'ont permis autour de l'année 2000 de découvrir beaucoup d'artistes de la scène indé d'alors, comme Buck 65, Aesop Rock ou encore Sixtoo. Ceci à une époque où cette scène était encore ignorée par une grande partie de la presse musicale francophone. J'en profite pour adresser ici un grand merci à Hip Hop Section et toute son équipe pour avoir su nourrir les oreilles et contenter la curiosité d'un amateur de rap alors fatigué (temporairement) par le bling-bling et le rat-tat-tat.

Le site a fermé ses portes en 2004 mais on peut toujours en consulter les archives par ici. Il est conseillé d'y faire un tour de temps en temps, on y découvre encore de jolies perles oubliées de l'underground.

Dans son ouvrage Rap, Hip-Hop : Trente années en 150 albums, de Kurtis Blow à Odd Future, paru chez l'excellent éditeur marseillais Le Mot et le reste, l'auteur, sur les traces de Philippe Robert et de son Rock, Pop : Un itinéraire bis en 140 albums essentiels, tente donc, via la sélection et les critiques de 150 albums majeurs, de proposer un parcours dans l'histoire de la musique Hip-Hop. En allant du plus ancien au plus récent, du plus connu au plus underground, de la côte est à la côte ouest, il tente de brasser toutes les tendances et styles du rap. Alors, bien sûr, 150 c'est beaucoup et c'est trop peu, il en manquera forcément mais la selection a le mérite d'avoir sa logique (il n'y a par exemple pas deux albums d'un même artiste).

Le livre démarre avec une solide présentation et mise en contexte du Hip-Hop, de ses origines et de son histoire dont vous pouvez découvrir les premières page en PDF sur le site de l'éditeur. Cette introduction est peut-être trop courte comparée à tout ce qu'elle brasse et peu sembler un poil trop dense mais ce n'est pas le sujet du livre et elle fait très bien son office en présentant relativement rapidement toute l'histoire du Rap.

Le véritable trajet en immersion dans l'histoire du genre et de ses multiples transformations se fera à la lecture des 150 critiques, en remettant les albums dans leurs contextes géographique et historique, mettant en lumière les jeux d'influences et les ruptures, elles offrent au final une traversée intéressante des 3 décennies qu'a parcourues le hip-hop pour arriver à nos jours.

Sur Fake for Real vous pouvez également vous régaler avec une sélection de 150 albums incontournables du rap indé, peut-être qu'on aura également la chance de la retrouver imprimée sur du papier dans un avenir plus ou moins proche ?

Je vous colle deux extraits de l'introduction du bouquin ci-dessous en guise de teaser.

Le hip-hop est donc bientôt quadragénaire. Pourtant, c'est encore un genre neuf. Cette jeunesse se mesure à l'ignorance du grand public à son égard, plus manifeste que pour cette musique déjà instituée qu'est le rock. Malgré sa visibilité, en dépit d'un statut de musique dominante acquis dans les années quatre-vingt-dix, la confusion règne encore, et en France tout particulièrement, sur ce que le rap recouvre. Parlez indifféremment de « rap » et de « hiphop » à l'homme de la rue, et il s'étonnera que, à quelques nuances près, les deux termes désignent la même musique. Très souvent, il
pensera aussi rap français, oubliant que le hip-hop est avant tout un genre américain, ignorant que sa version locale n'est, à son échelle, qu'un épiphénomène.

À ces malentendus, s'en ajoute un autre. Même si le hip-hop n'exclut pas les mélodies et les harmonies, loin de là, celles-ci ont longtemps semblé s'effacer derrière les motifs rythmiques, souvent prépondérants, tant dans les beats que dans le phrasé des rappeurs. Pour des oreilles blanches et âgées, il est désavantagé par ses atours souvent austères, rêches et répétitifs. Dans un Occident où musique est encore souvent synonyme de mélodie, il semble être avant tout verbiage, discours.

Bavard, loquace et volubile, ancré dans le réalisme social, chroniqueur des rues, raconteur d'histoires, glorifiant une image effrayante des ghettos afro-américains (misogynie, homophobie, violence, drogue et délinquance) ou ayant l'insolence du nouveau riche, il porterait avant tout un message. Chez les néophytes, chez ceux qui sont imperméables au genre, mais aussi, parfois, chez les fans eux-mêmes, domine le sentiment qu'il faut comprendre les paroles pour apprécier le rap. Ce qui est vrai, en partie, mais pas infiniment plus que pour le rock, ou toute autre musique chantée.

En France, ce préjugé en faveur des mots, est renforcé par l'héritage de la chanson réaliste. Dans notre pays, et c'est l'une des raisons pour lesquelles nous avons si mal pris le virage de la pop anglo-saxonne, les textes continuent à être survalorisés, pour le rap comme pour d'autres genres. Aussi, certains s'offusquent-ils de messages qu'ils jugent dangereux, scandaleux ou marqués par l'inculture, pendant que d'autres se trompent tout autant en le qualifiant de poésie de rue, en invoquant François Villon et en lui réservant les honneurs d'une anthologie

Les rappeurs français ont eux-mêmes intégré cette vision restrictive de leur musique, proclamant à qui mieux mieux leur amour pour Aznavour, Brel ou Renaud. Et se contentant, dans le même temps, de beats souvent pauvres, ttransposition médiocre de recettes américaines mal assimilées.

(...)

Il existe plusieurs généalogies concurrentes du hip-hop. La plus commune le présente comme le prolongement de la great black music, comme la phase la plus récente d'un long continuum parti des champs de coton et composé du jazz, du blues, du gospel, du rhythm'n'blues, de la soul, du funk et de quelques autres genres créés par la communauté afro-américaine. Ayant marié la spoken poetry engagée des Last Poets, des Watts Prophets et de Gil ScottHeron aux rythmes débridés inventés par les musiciens de James Brown, le rap serait le prolongement naturel, l'ultime palier, de
cette très longue histoire.

Cette vision des choses n'est pas fausse. (...) Comme le jazz, il a été d'abord fondé sur l'improvisation. Les premiers rappeurs, biberonnés à la black music qu'écoutaient leurs parents, en ont fait leur source première de beats, de samples, ou tout bonnement
d'inspiration.

Cette scansion caractéristique, qui est le trait fondamental du hiphop, qui lui a même valu ce nom de « rap », est l'héritière des interludes parlés des disques d'Isaac Hayes et de Barry White, du « calland-response » entendu dans les églises, des sermons enflammés de grands orateurs à la Martin Luther King et Malcolm X, des rodomontades des boxeurs noirs à la Mohamed Ali, des tirades lancées par des DJs au langage fleuri sur les premières radios réservées aux gens de couleur. Plus loin encore, il prolonge cet art du langage et de l'insulte développé autrefois par des esclaves privés d'écriture. Et si l'on souhaite remonter jusqu'à la source, on peut invoquer les griots de la Terre Mère africaine. Cette généalogie lointaine a été retracée très tôt, dès le Rap Attack de l'Anglais David Toop, l'un des premiers livres importants consacrés au hip-hop, et elle a flatté les sentiments communautaires et l'afrocentrisme de nombreux rappeurs.

Le hip-hop, quels que soient ses ancêtres et ses antécédents, a pourtant été, aussi, une violente rupture. Contrairement aux autres musiques noires, toutes nées dans les campagnes du Sud profond, celui-ci a été d'emblée, dès le commencement, une musique d'essence urbaine. Les premiers rappeurs sont sortis, pour de bon, de la rue. Ils n'ont pas été immédiatement cooptés par les générations précédentes de musiciens noirs, lesquels leur ont reproché l'usage du sampler, un non-instrument pour beaucoup, ou de renvoyer une image négative de leur communauté.

Au commencement, d'ailleurs, les rappeurs ont rencontré davantage de soutien près du New York post-punk, bohème et blanc de Downtown Manhattan que de leurs aînés noirs. Et le rap qui a vraiment imposé sa marque, celui qui a triomphé, le gangsta rap, a pris un malin plaisir à abattre l'édifice patiemment construit par la génération de la lutte pour les Droits Civiques, remplaçant l'engagement politique par le nihilisme, l'élévation spirituelle par un matérialisme éhonté, le respect des femmes par la misogynie.

Photo : Jamel Shabazz

La main gauche de david Lynch

daamien — 2011-05-26T19:30:12Z

Il est fort ce Pacôme, il serait presque capable de nous faire croire que Lost est une série intéressante. Heureusement pour nous, dans ce livre il est surtout question de Twin Peaks, à travers ses nombreuses références revendiquées, mais aussi, et c'est ça le bonus de mister T, par des analogies culturelles troublantes (ou un peu capillo-tractée) que n'aurait pas renié notre regretté Dale (ou les membres éminents de la société Rhipidon).

Ainsi vont être invoqués et passés au crible d'un Modus Operandi Lynchéothiellesque les spectres de Dante, de walter Benjamin, de la théosophie orientale etc etc... pour nous convaincre que la série imaginée par mark Frost et david Lynch à pour but (spoil !) de mettre à mort la télévision (symbolisée par la Black Lodge) et de transcender la psyché de son spectateur... Si bien sûr il consent à affronter, tel le roi arthur, un parcours initiatique symbolisé par le cruel destin du "héro" de la série.

Vous n'avez pas tout à fait compris ? je vais pas rentrer dans les détails, son bouquin se lit avec beaucoup de plaisir et regorge de bonnes idées, même s'il se prend peut être un peu trop au sérieux sur la fin. Mais attention c'est de bonne guerre, surtout si l'on pense au flop de l'inestimable Fire Walk With Me, alors que ses derniers films, largement encensés par la critique et les spectateurs (c'est plutôt symptomatique) font bien pale figure à côté.
C'est que Lynch s'est rudement fait chasser de Twin Peaks et s'est retrouvé à ruminer ses idées noires à Hollywood, la capitale du toc où l'on entend plus chanter les rossignols (snif).

Voilà le blog de Pacôme Thiellement http://laguerretotale.blogspot.com , dans lequel vous pourrez lire avidement tous ses textes (à l'exception de ses livres, bien sûr). Ceux ci mélangent avec une facétieuse intelligence affabulations et études scrupuleuses de la culture pop et classique, le tout au service d'une pensée originale et généreuse.

ici http://www.lynchnet.com/fwwm/fwwmscript.html vous trouverez le script de Fire Walk With Me contenant les fameuses scènes encore jamais montrées.

Trois éloges du film de genre

Nadja — 2010-10-30T14:54:05Z

Trois éloges précoces du film de genre, chers à mon coeur. À lire à haute voix pour bien savourer le rythme !

Le premier est signé Benjamin Fondane, poète roumain sympathisant dada :

Qui de vous [...] n'a vécu de cette nouvelle aventure inouïe, policière, foraine, bancaire, loufoque, sentimentale, exaltante, malaisée, vie de « où me mènes-tu ? » et de « tu n'y mourras pas », vie de trafiquant de coco, de chevaux hors-la-loi, de faux-monnayeurs, de bandits magnanimes, [...] vie de steppes le lasso à la main, vie de métropole le revolver au gant...

Une autre déclaration du même tonneau, sous la plume du peintre et poète dada Francis Picabia :

Ce que j'aime, c'est la course à travers le désert, les savanes, les chevaux en nage. Le cow-boy qui entre par les fenêtres du bar-saloon, l'éclatement des vitres, le verre de whisky vidé à angle droit dans un gosier rude et les deux brownings braqués sur le traître, tout cela rythmé comme un galop accompagné de claquements de fouet, de jurons et de coups de revolver.

Et une dernière, plus vindicative, du jeune Aragon :

J'aime les films sans bêtise dans lesquels on se tue et on fait l'amour. J'aime les films où les gens sont beaux, avec une peau magnifique, vous savez, qu'on peut voir de près. J'aime les Mack Sennett comedies avec des femmes en maillot, les films allemands avec de magnifiques scènes romantiques, les films de mon ami Delluc où il y a des gens qui se désirent pendant une heure jusqu'à ce que les spectateurs fassent claquer leurs sièges. J'aime les films où il y a du sang. J'aime les films où il n'y a pas de morale, où le vice n'est pas puni, où il n'y a pas de patrie et de petits soldats, où il n'y a pas de Bretonne au pied d'un calvaire, où il n'y a pas de philosophie ni de poésie. La poésie ne se cherche pas, elle se trouve...

À nous les salles obscures !

DESNOS, Les Rayons et les ombres

Nadja — 2010-10-26T13:02:24Z

En un temps où le cinéma était considéré par les élites comme un "divertissement d'ilotes" (voir à ce propos notre billet sur Georges Duhamel), les surréalistes, à la suite d'Apollinaire, se plurent à célébrer les salles obscures et les films, parfois les plus idiots, qui y étaient diffusés au grand scandale de la bonne société. Enthousiastes de la première heure, fascinés par le "stupéfiant-image" projeté sur grand écran, ils furent cependant nombreux à s'en éloigner à l'avènement du film parlant.

Dans des textes pleins d'humeur, Robert Desnos dénonce les effets néfastes de ce dernier. Il condamne le parlant parce qu'il semble restreindre la portée, autrefois universelle, du cinéma à une échelle nationale mais aussi parce qu'il implique la disparition des cartons, dont le poète était un fervent défenseur. Enfin et surtout parce qu'il vient doublement suppléer au rôle de l'imagination : en donnant à entendre les voix des acteurs (et surtout des actrices) que le spectateur était jusqu'alors libre d'imaginer et en clarifiant une intrigue à laquelle le muet permettait de garder ça et là une obscurité toute poétique.

C'est ce désir de clarté qui offusque Desnos et lui fait craindre que le cinéma ne sombre dans « la sale littérature et le réalisme ».

Cette histoire de film parlant est une plaisanterie d'été.

À bas l'obscurité, ont crié nos bons apôtres, suivis par les Panurge de la clarté française. Ça n'a pas tardé. On a tellement éclairé, tellement expliqué, tellement mis de sous-titres que la salle est devenue trop claire et qu'il n'y a plus rien du tout sur l'écran.

Quant aux films parlants, une seule chose me surprend : comment fera-t-on pour jouer des films étrangers ? en langue étrangère ? Ces dialogues incompréhensibles seront bien exaspérants pendant toute une soirée.

Alors ? Traduire, mettre une autre voix dans ces belles bouches ? Une voix très Comédie-Française ? Quelle rigolade !
Imaginez-vous Nazimova ou Betty Compson parlant par la voix grotesque de n'importe quelle actrice de la rue Richelieu ! Et les affiches : Film joué par Mary Pickford et parlé en français par Cécile Sorel !
N'insistons pas. Cette histoire de film parlant est une plaisanterie d'été.

Un autre extrait savoureux où Desnos menace les censeurs avec une réjouissante perversité :

Prends garde, censeur, regarde cette main de femme palpiter au premier plan, regarde cet œil ténébreux, regarde cette bouche sensuelle, ton fils en rêvera cette nuit et, grâce à eux, il échappera à la vie d'esclave à laquelle tu le destinais. Regarde cet acteur tendre, mélancolique et audacieux – que dis-je ? Cet acteur : non, cette créature réelle et douée d'une vie autonome-, plus sûrement qu'en des bras de chair, il enlèvera ta fille cette nuit dans son étreinte de celluloïd et l'âme de ta fille sera sauvée.

Extraits tirés de Les Rayons et les ombres - Cinéma de Robert Desnos - Gallimard

Georges Duhamel et le cauchemar de la « vie future »

DrNoze & Nadja — 2010-09-15T10:09:25Z

Rédigé sur le mode de la visite touristique, Scènes de la vie future (1930) raconte l'étonnement d'un candide au pays des gratte-ciel, des abattoirs industriels, de la Prohibition, de la ségrégation raciale et…du cinéma. Loin d'amener le voyageur à relativiser ses propres normes culturelles, la visite de Georges Duhamel tourne au réquisitoire.

Comme le suggère le titre de l'ouvrage, l'Amérique joue à l'Europe des « scènes » de ce qui sera sa « vie future » si elle ne met pas un frein aux « excès de la civilisation industrielle ». Laboratoire de modernité, l'Amérique peut sembler en avance sur son temps, pourtant Duhamel ne la juge pas « jeune » mais au contraire déjà vieille et « sans maturation réelle ». Dès lors, l'essayiste pense faire œuvre de salut public en attaquant point par point la culture américaine (ou son absence).

L'une de ses cibles de prédilection est précisément le cinéma, qui reflète et condense toute la frénésie et la vulgarité de la vie américaine. La séance de cinéma, par son contenu et par son mode de réception fait l'objet d'une condamnation sans appel. Sans surprise, l'essayiste prédit « la pire décadence » à la multitude américaine qui s'y adonne.

Outre le fait que sa lecture est hilarante, tant la prose de Duhamel est aussi vive et piquante que réactionnaire, il est particulièrement intéressant, en 2010, de relire ces passages qui mettent en perspective les actuelles cabales des réactionnaires modernes contres les nouvelles technologies (jeux video, internet, mondes virtuels, dématérialisation...) et leurs effets démoniaques (violence, cyberdépendances, troubles de la concentration, droits d'auteur...), tant celles de Duhamel nous paraissent aujourd'hui désuètes.

Scènes de la vie future de Georges Duhamel, extraits

[ils] patientent, l'œil trouble, déjà prêts à l'hypnose qui les saisira bientôt, dans l'ombre enchantée. De temps en temps, le building semble déglutir par ses bas orifices, un notable tronçon de la queue. […] Une secousse encore et nous voici dans l'antre du monstre. C'est là que le pèlerin présente l'obole, le dollar.

Nous voici, de nouveau, poussés, tels des animaux de boucherie, entre deux rampes de corde. Nouvelle queue, nouvelle attente dans l'oesophage du monstre. De cinq minutes en cinq minutes, les portes s'ouvrent et lâchent, dans une bouffée de musique et de nuit, une cinquantaine de gaillards qui semblent anesthésiés, qui sortent du plaisir comme ils sortent du restaurant ou du bureau, avec une funèbre indifférence. Immédiatement, les spectateurs gavés sont remplacés par un nombre égal de spectateurs à jeun, pour que la salle demeure comble. Quelques minutes passent et, soudain, vient notre tour. Nous sommes poussés dans l'abîme d'oubli.

Ah ! Ah ! Une brève bousculade. Et nous nous trouvons assis. Les fauteuils sont assez bons. Le confort américain. Le confort des fesses. Un confort purement musculaire et tactile.

[...] ici tout est faux. Fausse, la vie des ombres sur l'écran, fausse, l'espèce de musique répandue sur nous par je ne sais quels appareils torrentueux et mécaniques. Et qui sait ? Fausse, aussi, cette multitude humaine qui semble rêver ce qu'elle voit et s'agite parfois, sourdement, avec des gestes de dormeur. Tout est faux. Le monde est faux. Je ne suis peut-être plus, moi-même, qu'un simulacre d'homme, une imitation de Duhamel...

Je ne peux déjà plus penser ce que je veux. Les images mouvantes se substituent à mes propres pensées. La musique... C'est vrai ! La musique ! Qu'est-ce donc cette musique ? On l'entend sans l'écouter. [...] Je le pensais bien : c'est de la fausse musique. De la musique de conserve. Cela sort de l'abattoir à musique comme les saucisses du déjeuner sortaient de l'abattoir à cochons. Oui ! Il doit y avoir, là-bas, quelque part, dans le centre du pays, une immense bâtisse de briques noires, enjambée, pourfendue par les arches d'un elevated. C'est là qu'on tue la musique. Elle est égorgée par des nègres, comme les gorets du Middle-West. Elle est assommée par des brutes lasses, à moitié endormies. On la dépèce, on la sale, on la poivre, on la cuit. Cela s'appelle "les disques". C'est de la musique en boîtes de conserve.

Je ne peux pas réfléchir : trop de bruit, trop de mouvement. Les gens entrent et sortent sans cesse. Nulle songerie n'est possible. Ce n'est pas une salle de spectacle, c'est un vestibule, un courant d'air, une place publique, une salle des pas perdus, des heures perdues, de toutes les espérances et de toutes les illusions perdues.

C'est un divertissement d'ilotes, un passe-temps d'illettrés, de créatures misérables, ahuries par leur besogne et leurs soucis. C'est, savamment empoisonnée, la nourriture d'une multitude que les puissances de moloch ont jugée condamnée et qu'elles achèvent d'avilir. Un spectacle qui ne demande aucun effort, qui ne suppose aucune suite dans les idées, ne soulève aucune question, n'aborde sérieusement aucun problème, n'allume aucune passion, n'éveille au fond des cœurs aucune lumière, n'excite aucune espérance sinon celle, ridicule, d'être un jour « star » à Los Angeles.

J'affirme qu'un peuple soumis pendant un demi-siècle au régime actuel des cinémas américains s'achemine vers la pire décadence. J'affirme qu'un peuple hébété par des plaisirs fugitifs, épidermiques, obtenus sans le moindre effort intellectuel, j'affirme qu'un tel peuple se trouvera, quelque jour, incapable de mener à bien une œuvre de longue haleine et de s'élever, si peu que ce soit, par l'énergie de la pensée.

Le dynamisme même du cinéma nous arrache les images sur lesquelles notre songerie aimerait de s'arrêter. Comme les pires caresses mercenaires, les plaisirs sont offerts au public sans qu'il ait besoin d'y participer autrement que par une molle et vague adhésion.

Le reste du bouquin, du même acabit (il n'y va pas non plus de main morte avec le Jazz), est également à découvrir de toute urgence ! - 3€ aux "Mille et une nuits".

"Quatre secondes de poésie musculaire"

Nadja — 2010-03-09T09:37:33Z

Petit aperçu de la prose nerveuse, juteuse et scientifique de Jean Epstein à l'époque où il hésitait encore entre poésie et cinéma... Un éloge sensuel du gros plan cinématographique, aux accents cendrarsiens.

Méconnus des critiques de cinéma (car Epstein y écrit en poète plus qu'en théoricien) et des littéraires (car leur auteur a finalement abandonné la poésie, dont il se jugeait indigne, pour le cinéma), ces textes méritent d'être ramenés sous les feux des projecteurs. À titre d'échantillon, quelques extraits sur le gros plan, sélectionnés spécialement pour Foxylounge ^^ :

Éloge carnivore du gros plan

« Entre le spectacle et le spectateur, aucune rampe.
On ne regarde pas la vie, on la pénètre.
Cette pénétration permet toutes les intimités. Un visage, sous la loupe, fait la roue, étale sa géographie fervente.
Des cataractes électriques ruissellent dans les failles de ce relief qui m'arrive recuit aux 3000 degrés de l'arc.
C'est le miracle de la présence réelle,
la vie manifeste
ouverte comme une belle grenade,
pelée de son écorce,
assimilable,
barbare.
Théâtre de la peau.
Aucun tressaillement ne m'échappe. […] Projeté sur l'écran, j'atterris dans l'interligne des lèvres. […]
Auprès d'un drame ainsi suivi à la jumelle de muscle en muscle, quel théâtre de parole n'est point misérable ! »

(La Poésie d'aujourd'hui, un nouvel état d'intelligence, La Sirène, 1921)

« La douleur est à portée de main. Si j'étends le bras, je te touche, intimité. Je compte les cils de cette souffrance. Je pourrais avoir le goût de ses larmes. Jamais un visage ne s'est encore ainsi penché sur le mien. Au plus près il me talonne, et c'est moi qui le poursuis front contre front. Ce n'est même pas vrai qu'il y ait de l'air entre nous ; je le mange. Il est en moi comme un sacrement. Acuité visuelle maxima. »

(Bonjour cinéma, La Sirène, 1921)

Un programme esthétique : "quatre secondes de poésie musculaire"

« Sans histoire, sans hygiène, sans pédagogie, raconte, cinéma-merveille, l'homme miette par miette. […] Ailleurs l'imbroglio, la phrase pirouette, ici le pur plaisir de voir la vie agile. Feuilletez l'homme. Ce marin dont le col si bleu trop tendre s'échancre de hâle, saute sur le marchepied d'un tram bureaucrate. Quatre secondes de poésie musculaire. L'élan. Le saut. Un pied adhère. L'autre de surcroît signe en l'air une courbe. [...] Tout mousse, trépide, crépite, déborde, bourgeonne, mue, pèle, s'élance. C'est le poème. »

(Bonjour cinéma, La Sirène, 1921)

A cerclé. Histoire véridique d'un symbole

Yann — 2010-02-05T19:25:10Z

Inscrit à la craie sur les trottoirs, peints à la bombe de peinture sur les murs, tracé au feutre dans les toilettes publiques… Le A cerclé, dont chacun sait plus ou moins qu'il est un symbole de l'anarchisme, est tellement banalisé qu'on en a oublié l'origine. Cet ouvrage traduit de l'italien, richement documenté, à l'iconographie profuse, en retrace l'histoire. Et il est très intéressant de constater que ce signe n'est aucunement le résultat d'une "génération spontanée", mais qu'il a été au contraire très rationnellement pensé, de la même manière qu'un graphiste ou un publicitaire pense un logo.

C'est la cellule parisienne du mouvement anarchiste qui propose dans le Bulletin des Jeunes Libertaires en avril 1964 l'adoption de ce symbole en ces termes : "deux motivations principales nous ont guidés : d'abord faciliter et rendre plus éfficace les activités pratiques d'inscriptions et affichages, ensuite assurer une présence plus large du mouvement anarchiste aux yeux des gens, par un caractère commun à toutes les expressions de l'anarchisme dans ses manifestations publiques" (p. 6). L'idée ne rencontrera dans un premier temps que peu de succès.

Il sera finallement repris par le Gioventu Libertaria de Milan. Il commence alors à se répandre. En 1971, le graphiste Gianni Bertolo en fait le symbole-titre d'une revue. À l'époque, le A est strictement inscrit dans le cercle. Les Autonomen allemands l'adapteront, en faisant déborder le A du cercle C'est sous cette forme qu'on le retrouve chez les punks anglais, et aujourd'hui jusque dans la haute couture !

Hiroshima et le manga moderne

DrNoze — 2010-02-04T13:53:29Z

Extraits de "Pourquoi le manga est-il devenu un produit culturel global ?" de Jean-Marie Bouissou.

Dans un riche article parut en juillet 2008 dans la revue Esprit, intitulé Pourquoi le manga est-il devenu un produit culturel global ?, Jean-Marie Bouissou [1] explique comment et pourquoi le manga, depuis les années 80 à fait une si phénoménale percée dans la culture occidentale et plus particulièrement en France.

Un article vraiment très intéressant que je vous recommande vivement de lire dans son intégralité.

– Lire (ou télécharger en PDF) l'article complet sur le site de la revue Esprit

Je vous propose ci-dessous quelques extraits de l'article de Jean-Marie Bouissou, qui traitent, en particulier, de l'influence d'hiroshima sur le manga moderne, ainsi que du lien intime entre le manga et la culture animiste japonaise.

Hiroshima : L'expérience originelle du manga contemporain

"Le manga contemporain est né dans le feu d'Hiroshima, qui lui a donné ce que Saya Shiraishi a baptisé "l'Expérience originelle" : l'histoire d'un groupe de jeunes survivants orphelins, soudé par l'amitié et le refus de mourir, qui lutte dans un univers postapocalyptique et fait se lever l'aube d'un monde nouveau. Ce scénario traumatique se retrouve sous mille et une formes dans le manga et la japanimation. Dans sa version première, telle que Keiji Nakazawa l'a mise en scène en 1972 dans Gen d'Hiroshima, de jeunes héros à l'optimisme increvable luttent avec une claire conscience pour reconstruire un monde meilleur"

Aucun monde meilleur

"Dans les années 1980, le genre postapocalyptique japonais changea d'âme entre les mains d'une nouvelle génération de mangaka, celle des baby-boomers tardifs (nés au milieu des années 1950), qu'on pourrait baptiser "génération Ôtomo ». L'expérience de cette génération différait radicalement de celle de la précédente. Elle n'avait aucune mémoire directe de la guerre et ses parents avaient fait de leur mieux pour ne pas en parler ; elle n'avait presque rien vu des grandes luttes sociales et politiques qui s'étaient éteintes en 1960, et les duretés de la reconstruction ne l'avaient guère marquée. Son souvenir d'adolescence le plus vif était celui du mouvement de 1968 mené par ses frères aînés : elle avait assisté à leur échec total et à leur dérive insensée dans un terrorisme sanglant et autodestructeur. La "génération Ôtomo" donna donc de l'expérience originelle une version très différente de celle de Nakazawa : l'univers postapocalyptique est dépourvu de sens, les héros y errent dans la confusion, les certitudes se sont évaporées, les frontières entre le Bien et le Mal se brouillent, et la fin ne promet aucun monde meilleur."

"La série emblématique de cette métamorphose est Akira. L'ancien voyou Kaneda, pâle reflet du héros positif à l'ancienne, erre dans les ruines de Néo-Tokyo en poursuivant obstinément, en pleine apocalypse, des buts personnels dérisoires à l'échelle du cataclysme (venger ses camarades massacrés par le mutant Tetsuo, conquérir l'amour de Kay). Les groupes sont détruits, à l'instar de la bande de motards de Kaneda, et les liens d'amitié rompus. Tetsuo, le mutant meurtrier qui pourrait faire sauter la planète, n'est qu'un gosse malheureux qui rêve de retourner se blottir dans les bras de sa mère qui l'a abandonné – et l'immature Kaneda partage inconsciemment ce rêve dans ses relations avec les personnages féminins (la jeune Kay, son Pygmalion Lady Miyako, et Chiyoko, la guerrière maternelle) qui s'avèrent toutes plus lucides et plus fortes que lui dans l'épreuve. Les efforts organisés pour reconstruire ce qui peut l'être (la communauté de Lady Miyako) échouent lamentablement, le défi final lancé à la communauté internationale par le « Nouvel empire d'Akira" ressemble à un caprice d'adolescents et, à la dernière image, la reconstruction du monde n'est qu'un rêve."

Le feu nucléaire était le fils de la Science

"L'apocalypse n'est pas le seul legs d'Hiroshima à la mémoire collective japonaise et, à travers elle, au manga. Le feu nucléaire était le fils de la Science – une science que l'Amérique avait maîtrisée mieux que les Japonais et face à laquelle tout leur courage n'avait rien pu. Ils en conclurent que le seul moyen de retrouver leur place dans le monde était de maîtriser eux aussi la science. Au lendemain de la guerre, celle-ci devint l'objet d'un véritable culte au Japon. Après la faillite des adultes à la guerre, l'avenir était entre les mains des jeunes qui le bâtiraient radieux grâce à la science. Astroboy, de Tezuka Osamu, est la série la plus emblématique de cette mentalité – en même temps que la plus célèbre de toute l'histoire du manga."

Une bonne dose d'irrationnel

"Contrairement aux idées reçues, la culture japonaise est beaucoup plus débridée que celle d'un Occident contraint par le judéo-christianisme et le politiquement correct. Elle est bien moins inhibée face au sexe. L'absence de religion monothéiste intolérante, l'ignorance de la philosophie cartésienne et l'entrée tardive dans la modernité ont assuré la survie dans l'inconscient collectif japonais d'une bonne dose d'irrationnel, d'un grouillement d'esprits, de monstres plus ou moins jovials ou effrayants selon les cas, de fantômes et de superstitions. Un laisser-aller bon enfant jugé chez nous incorrect, voire répugnant, y est toléré. Le goût des héros malheureux et des larmes est profond au point que même les Premiers ministres n'ont pas de honte, à l'occasion, à pleurer en public. Tout cela se retrouve dans le manga et en fait un produit bien plus "épicé" que la bande dessinée française."

Un inconscient animiste

"On retrouve ici le bric-à-brac idéologique New Age (passage de l'humanité vers une autre dimension, existence d'humains dotés d'un ADN supérieur et d'entités non humaines bonnes ou mauvaises, rôle de la nature dans l'éclosion d'une nouvelle spiritualité, etc.) qu'Ôtomo convoquait dans les derniers volumes d'Akira à l'usage des lecteurs en manque de sens. Peu importe qu'il s'agisse ou non d'une simple figure de style. L'essentiel est que cette thématique s'accorde à l'état d'esprit de la jeunesse occidentale de la fin du XX. et du début du XXI. siècle, avide de réenchanter un monde déserté par les certitudes de la Raison et asséché du sens dont l'irriguaient les "Grandes narrations" utopiques de la modernité."

"Mieux que la BD ou les comics, l'univers du manga a su se mettre au diapason de l'époque pour répondre à cette demande de sens nouveau – fut-il farfelu. Au Japon, le peuple prémoderne des kami, des oni, des yokai et des yure a été épargné par les ravages du monothéisme intolérant qui l'a décimé en Occident, et n'a été que tardivement dénigré par la modernité, dans laquelle l'archipel n'est entré qu'au milieu du XIXe siècle. Par conséquent, selon l'expression d'Anne Allison, le Japon contemporain a conservé un "inconscient animiste", qui imprègne notamment l'univers du manga et ne demandait qu'à se greffer sur les thématiques New Age, grosses consommatrices d'entités non humaines. Sur ce point aussi, par un retournement paradoxal, les spécificités qui distinguent le plus radicalement le Japon de l'Occident (absence du monothéisme, retard à la modernité) sont précisément celles qui lui donnent une place de choix dans la "nouvelle universalité postmoderne" qui concurrence aujourd'hui la rationalité née des Lumières européennes au XVIIe siècle. Dans le manga, aucune rationalité ne s'oppose à ce qu'un couple de lycéens japonais fusionne avec un "arbre de vie", qu'un petit campagnard rencontre des yokai à chaque coin de rue, que les dieux du village se réveillent pour mettre en déroute les politiciens corrompus et les gangsters qui voulaient le polluer, qu'un honnête voyageur se retrouve dans un village où tout le monde (y compris les femmes décapitées) baise joyeusement avec tout le monde, et que les intelligences artificielles s'émancipent pour vivre leur propre vie. Ce joyeux désordre foutraque ne suffira pas pour réenchanter l'univers vidé de sens par le capitalisme postindustriel, mais du moins répond-il à une demande latente. Ultime paradoxe, cela fait du manga et des imaginaires qui y sont associés un produit culturel générateur de profits considérables pour ledit capitalisme postindustriel..."

– Lire (ou télécharger en PDF) l'article complet sur le site de la revue Esprit

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[1] Spécialiste du Japon contemporain, Jean-Marie Bouissou est responsable pédagogique de l'European Training Programme Japan, membre fondateur de l'Association franco-japonaise de science politique et fondateur du Manga Network